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プロフィルになるような作品を作れたら「こころのふた〜雪ふるまちで〜」河村光庸の熱い思いを引き継ぎたい
映画「こころのふた〜雪ふるまちで〜」は、若手の発掘、育成と地方創生を目的とした「私の卒業プロジェクト」の第5期の作品。将来に希望と不安を抱えながら高校を卒業していく若者たちの心の機微に触れながら、人生の岐路となる「卒業」をテーマに描く。今回は、新潟県新潟市と燕市の地元文化に触れながら、人口減少社会における問題に切り込んでいる。脚本兼プロデューサーを務めた高石明彦氏は「作品を作れなくなるまでこのシリーズをやっていこうと思っています」と、シリーズに込めた思いを語った。高石氏は教育で人生が変わる瞬間に感動し、教師を志した過去があるという。そこで教育とエンタメの融合した企画を考えていたところ、小学館から一緒にやってみようと勧められ、私の卒業という企画が始まった。第1作からオリジナル脚本にこだわる本シリーズだが、2作目で高石氏にとって、大きな転機があった。映画「新聞記者」(2019年)の脚本に参加したことだ。河村光庸の熱い思いを引き継ぐ映画づくり「新聞記者」の脚本執筆の際に、河村光庸プロデューサーから大きな影響を受けたと高石氏は語った。「あの人に出会えてよかったと思っています。本当に魂がすごいんですよね。自分で社会を見つめる視点と、しっかりと発信していく強い意志を教わりました」。日本アカデミー賞作品賞、最優秀主演男優賞、最優秀主演女優賞を受賞したほか、脚本賞ほか計６部門にノミネートされた「新聞記者」は、話題となり多くの人が映画館に足を運んだ。「社会派映画がこんなに注目されることに驚きました。表現の自由もあるし、もっと映像作品を通して社会で起きていることを伝えていきたいと思いました」。そして「私の卒業プロジェクト」2期目からは作品のテイストをがらりと変えて、社会性あるテーマを若者たちに伝える方向性になったのだという。「河村さんは、作品を絶対お客さんに届けるんだっていう気持ちが、すごく熱いんですよ」と言うが、その熱意は高石氏の製作活動にもしっかりと引き継がれている。オリジナル作品の興行が厳しい昨今、高石氏は映像として観客が初めて触れるものという貴重さと、そこから得られる感動を伝えることを使命として、「私の卒業プロジェクト」ではオリジナル脚本を貫いているからだ。また、台湾での放映が決定し、世界進出にも意欲的だ。「地方を元気づけることはもちろん、世界に発信することでロケツーリズムを促したい」と語った。 ©私の卒業第5期製作委員会2024 若手発掘「私の卒業プロジェクト」は、芸能事務所への所属・非所属を問わず、俳優を目指す14〜24歳の若者を対象にオーディションでキャストを決定している。過去には、ドラマ「おっさんのパンツがなんだっていいじゃないか！」(2024年)に出演の大原梓や、特撮テレビドラマ「仮面ライダーギーツ」(22〜23年）主演の簡秀吉、そのヒロインの星乃夢奈。また、「ウルトラマントリガーエピソードZ」(22年)ヒロインの豊田ルナや、ドラマ「下剋上球児」（23年）で注目を集めた小林虎之介らを輩出。 5期目となる今回は、NGT48の小越春花、ミスマガジン2023グランプリの今森茉耶、CMやファッションモデルとして活躍する草野星華、テレビ東京開局60周年連続ドラマ「95」(24年)出演等、俳優やタレントとして活動中の阿部凜。この4人がヒロインを務める。撮影前に3カ月間のワークショップを設け、演技指導や役柄の理解を深めていった。「環境を整えることで、彼女たちの感情が自然に高ぶり、とても良い映像が撮れたんじゃないかなと思います」。中でも主演の4人が涙するシーンについては「ときには1時間かかることもありましたが、彼女たちが本当の涙を流すまで待ちました」。さらに、生きづらい社会に疑問を投げかける志ある少年の役を「神は見返りを求める」(22年)「まなみ100％」(23年)に出演の下川恭平が務めた。政治に対して不信感がある世の中で、こういう人に政治家になってほしいという思いが込められた役だ。この役は、高石氏と下川くんで演出やせりふを含めて一緒に作り上げたという。「下川くんも、すごく丁寧に言葉一つ一つの意味をつかんでくださって、それをどういうふうに発信したら、正確に伝えられるかしっかり考えてくれました。一言一言優しく語りかけたり、ちょっとほほ笑みを入れたりするなど、彼も頑張ってやってくれました」とふりかえる。最後に、現場で若者たちに伝えたいことについて「作品を作るのはとっても楽しいよっていうことを教えていきたいので、特に現場では笑顔や笑いを大切にしています。良い環境の中でみんなが楽しんで撮影できるように、監督とも話しながら行っています」。そして「彼女ら、彼らのプロフィルになるような作品を作れたら、と思います」と語った。
山田あゆみ
2024.6.12
72年11月、早大構内のリンチ殺人はなぜ起きたか「ゲバルトの杜　彼は早稲田で死んだ」　代島治彦、鴻上尚史インタビュー
学生運動末期に激化した内ゲバの実態に迫るドキュメンタリー映画「ゲバルトの杜彼は早稲田で死んだ」。1972年11月8日に早稲田大文学部キャンパスで第一文学部２年生の川口大三郎さんが殺された事件を巡り、ドキュメンタリー部分を代島治彦、事件を再現する短編を劇作家・演出家の鴻上尚史が監督した。内ゲバの不条理と悔恨、あの時代特有の熱量の中で、革命を志した若者たちがなぜ殺し合わなければならなかったかをあぶり出していく。代島、鴻上に聞いた。セクト間の内ゲバ激化のきっかけに川口さんは、文学部自治会を牛耳り早大支配をねらう新左翼党派・革マル派（日本革命的共産主義者同盟革命的マルクス主義派）による凄惨（せいさん）なリンチの結果死亡した。事件をきっかけに、革マル派を追放して自由なキャンパス、民主的自治会を作ろうとする「早大解放闘争」が始まるが、１年で収束する。一方、革マル派と中核派の抗争は社青同解放派（日本社会主義青年同盟解放派）を巻き込んでエスカレート。各セクトによる内ゲバが激化し、100人を超える犠牲者を出した。映画は、当事者や関係者から集めた証言と、川口さんリンチ事件の再現ドラマとそのメーキングで構成されている。代島監督は「三里塚に生きる」（14年）、「三里塚のイカロス」（17年）、「きみが死んだあとで」（21年）と学生運動のドキュメンタリー映画を撮り続けてきた。「農民も学生も闘争もフリーズしてしまった。呪縛を解きたいと思ってきたからだ」と理由を明かした。自身は77年に早大に入学。中学生の頃に学生運動が盛んで、その時代の音楽や文化の中で育った。しかし連合赤軍事件や内ゲバが明るみに出て、学生運動は近づきがたいものに変貌していく。「僕の言葉でいうと〝政治的なおびえ〟。政治的な活動に絶望し、近づかないようにしてきたのが僕らの世代だ。50年も前に植え付けられたおびえとあきらめ、その呪縛が今の若者文化にまで続いている」と話す。「ゲバルトの杜彼は早稲田で死んだ」©「ゲバルトの杜」製作委員会（ポット出版＋スコブル工房）凍土の下で見えなくなった「（学生運動は）最初は機動隊殲滅（せんめつ）を唱えたが、内ゲバが活発化していくと敵対党派は反革命だから殺してもいいということになってしまった」。彼らの論理は「相手が反革命だから殺す。その党派をつぶさなければ革命戦線はおかしくなる」ということだった。社会はこうした行動についていけなくなり、学生運動を「ある特定の集団同士の戦い」と見るようになる。学生運動の中でも、赤軍派については「当事者が手記を書いたり逮捕されたりし、映画にもなって全体像が検証された。実際の映像も残っていたことから、日本社会の（集団の）記憶の一部になっている」。一方で内ゲバは「隠され、凍土みたいなものになった。存在は知っていても、地面の下で凍りついていることすら見えなくなってしまった。書籍も極めてく少なく、集団の記憶になっていない」。立花隆の「中核vs革マル」（75年）は数少ない内ゲバを扱った著作だ。「当事者が語らないから（映画に）できない。撮るなら『福田村事件』（23年）のようなドラマの形になるか……」と思っていた。「ゲバルトの杜～彼は早稲田で死んだ～」©「ゲバルトの杜」製作委員会（ポット出版＋スコブル工房）事件再現は「リアルであること」そこに、早大文学部で川口さんの１年後輩にあたるジャーナリスト、樋田毅の「彼は早稲田で死んだ」が21年11月に出版される。「きみが死んだあとで」公開時のトークショーにゲストとして参加した鴻上が、樋田の著書を「すごい本」と代島に紹介。対談終了後、その場に来ていた樋田が代島に本を渡したことから映画化が動き出す。数週間後、代島は「映画を撮ります」と鴻上に連絡、「15分ほどの短編ドラマ」を依頼した。鴻上は代島の1年後、78年に早大に入学した。ドラマでは、川口さんが革マル派によって学内の学生自治会室に拉致され、約８時間にわたるリンチを受けて死に至るまでを可能な限り実際にあった通りに描こうとした。鴻上は「僕から見たら違いが分からない、両党派の人たちが殺し合った。学生も日本社会もこうした事件に強い拒否感を募らせていった。当時地方に住んでいたが、なぜそうなったのかずっと疑問があった」と語る。ドラマ化に際して最も注意したことは「リアルであること」だった。脚本を書くときに、樋田が聞き取りながら出版直前に掲載を拒絶され収録できなかった証言を、こっそり読ませてもらっていたという。実際に彼らが持っていたのは竹ざお２本と角材２本にバット１本で、主だった実行犯は５人だったようだ。代島は「ドラマでは、何が起こったのか見せたかった。裏付ける証言もある。ドラマのメーキングも取り込んで、今の若い人（役者）が、知らない時代や事件を演じることで空気感が伝わると考えた」という。200人近い俳優志望の若者が、数回にわたるオーディションを受け、選ばれた。「ゲバルトの杜～彼は早稲田で死んだ～」©「ゲバルトの杜」製作委員会（ポット出版＋スコブル工房）証言拒む加害者たち「死んだら公表して」映画の中では、当時学生だったジャーナリストの池上彰、思想家の内田樹、本の著者の樋田のほか、作家の佐藤優も証言している。代島は殺害現場にいた革マル派を含め、加害者側の数人に証言を依頼したが、返事があった人でも「よく考えたがやはりできない」という趣旨の断りの内容だったという。彼らが証言を拒否するのは「それぞれの家族のことが大きいのでは」と推察する。当時、革マル派で第一文学部の田中敏夫自治会委員長の家族にも証言を求めたが難しかったという。代島、鴻上とも「この映画が世間に出ることで、語り始める人が出てきてほしい」と口をそろえた。なぜ内ゲバが起こり、これまでに100人以上が亡くなってしまったのか。鴻上は「一言で語れない。だから歴史の中に埋もれてしまっている。僕のパートでは、今と地続きの普通の大学生が人殺しをしている。世界を真面目に考えていた彼らがここまで追いこまれていたという感じがする。それを見せたかった。角材をへっぴり腰でたたいているやつが結果的に人を殺した。そこから何を感じますか、と伝えたかった。なんで凶器を振り下ろすことができたのか聞きたかった」と話した。証言や取材、映画・ドラマ作りを通じて内ゲバへの考え方に変化はあったのだろうか。代島は「内ゲバに加わった人たちが悔いていることは確かだと思う。（内ゲバが激しかった）70年から75年ごろに学生生活を送っても、関係者を含め当時を語ろうという人は極めて少ない」。内ゲバに嫌気がさした各セクトの活動家も「最初は抜けるのも大変だったようだが、80年代、90年代と時の流れとともに抜けやすくなって自分から党派を離れた。ただ、関わっていた時のことは話さないし、やはり悔いが強く残っている」。この映画の製作を聞きつけて５人ぐらいの関係者から手記や意見をもらったという。「僕の遺書で、死んだら公表してほしい」という人もその中にいた。「ゲバルトの杜～彼は早稲田で死んだ～」©「ゲバルトの杜」製作委員会（ポット出版＋スコブル工房）〝パンドラの箱〟10センチでも開けられれば学生運動を題材にした映画は時々作られてきたが、観客の多くは何らかの形で関わったか、当時を知っている年齢の高い人たちと言われる。この映画は、今の若い人との接点を作れるのだろうか。代島監督が語る。「こういうことまでやってしまう人間の心性を描いた。その後、それを抱え込んだまま生きていることも描きたかった。見てくれた人にはぜひ発信してもらいたい」。さらに「内ゲバは若者の政治への距離、関心を遠ざけた要因になった」と、現代の政治離れの原点の一つと位置付ける。「党派が違うだけで、なぜここまでのことができたのか。答えは簡単には出ないが、これまで閉じられていたパンドラの箱を10センチでも開けることができたら、この映画は役割を果たしたと思いたい。フリーズして凍土の下に眠っていた死者たちの思いを表に出していきたい」鴻上も続ける。「今の時代に若者の投票率が低いのは、（内ゲバなどの影響で）投票しても世の中は変わらないと思い込まされてきたからではないか。内ゲバによって、政治に参加することはダサくて意味のないことだと思われてしまったのだ」と話した。
鈴木隆
2024.6.11
「お父さんならできると思っていた」月川翔監督も驚いた前向き一家　「ディア・ファミリー」
「ディア・ファミリー」は不治の病と闘う父娘の物語。泣ける場面がたくさんあっても、いわゆる難病ものと違い、見終わって悲壮感よりも大きな希望が残る。娘を救いたい一心で画期的な医療器具を開発した実話の映画化で、月川翔監督は「リアリティーを大切に、前向きな映画にしたかった」と語る。娘を救いたい一心が、画期的医療機器を生んだ 1970年代末、町工場を経営する坪井宣政（大泉洋）の次女佳美は心臓の難病で、20歳まで生きられないと告げられた。しかし宣政は「絶対治す」と人工心臓の開発を決意する。大学研究室の協力を取り付け、私財を投じて研究に打ち込むものの、ある時「明日人工心臓ができても治癒不能」と宣告される。しかし佳美は「技術を苦しんでいる人のために役立てて」と宣政に託し、宣政は日本人の体質に合ったカテーテルの開発に没頭する。物語はほぼ実際の出来事の通り。月川監督は映画化を打診され、あまりに劇的な内容に「本当か」と驚いたという。特に、娘を亡くした後も、苦しんでいる人を救おうと開発を続けたことに興味がわいた。「どんな心持ちだったのか。家族の話を聞いてみたい、映画にしたいと思った」。この家族を20年にわたって取材し、ノンフィクションとして出版した清武英利の取材ノートを借り、家族を何度も訪ね、話を聞いた。「一番心が躍ったのは、佳美を助けられないと分かった後で、医療機器の開発が家族みんなの目標になっていくところ。命が尽きて悲しい物語ではなく、家族が目標を達成して、今も救われる人がいることに感動させる映画にしたかった」「ディア・ファミリー」©2024「ディア・ファミリー」製作委員会作り物と思われたら観客の気持ちが離れてしまう「こだわったのはリアリティー」と月川監督。凡百の映画よりも映画的な展開だけに「作り物と思われたら観客の気持ちが離れてしまう」と覚悟した。父親には何度も質問をぶつけた。「人工心臓の大きさや色など、気になったことを一つずつ。医学的、工学的な面もないがしろにしたくなかったので、別の技術者にも確かめたりもしました」。あきれられるほど根掘り葉掘り聞いたのは、「『携わった人がウソとは言えない』というラインを指針にした」からだ。映画に登場する実験装置もできるだけ実物に近づけ、人工心臓の試作品は本物を借りた。40年以上前の町並みや風俗も、忠実に再現。家族のエピソードや会話も、証言に基づいたという。宣政は医療の知識は皆無でも、娘を救いたい一心で猪突（ちょとつ）猛進。遅々として進まない開発にいら立ち、借金を背負い、大学の理不尽な慣行にも悩まされながら、妻や子どもたちに励まされて苦難を乗り越える。実際の父親を、月川監督は「タフな人だと思います。『なんでうまくいかないんだ』という怒りをエネルギーに変える人だと思う」。大泉が演じた宣政は、少しマイルドにしたそうだ。そして家族。一家の長女に「本当はお父さんをムチャだと思ってたわけですよね」と聞いたら「いや、できると思ってたんですよ」と即答だったとか。「何とかなると思っていたようです。それがすごい。きっと、そういう人たちじゃなかったらできなかった」一方で、あえて〝泣かせどころ〟を抑えた部分もあった。「家族が話す度に涙ぐむエピソードがあるんですが、あえて映画には盛り込まなかった」。というのも「佳美が、他の人の命が救われて喜ばしく受け止める、前向きな映画にしたかったから」。濱口竜介監督と同門「PASSION」見て「やめようか……」月川監督は「君の膵臓をたべたい」（2017年）、「君は月夜に光り輝く」（19年）など、泣かせる恋愛ものをヒットさせてきた。濱口竜介監督をはじめ、鶴岡慧子、真利子哲也といった監督を輩出する東京芸大大学院の出身。作家性の強い作品を撮る卒業生が多い中で、娯楽映画の本流を行く。自身を「エンターテイメントの職人」と言う。「大学時代には娯楽映画が好きだったんですが、芸大院では作家性とか、映画祭で評価されたいとかヨコシマな気持ちが入ってきて。でも濱口監督の『PASSION』を見たら、同じカリキュラムでこんなものを作る人がいるんだ、もう自分は作る必要がないと、やめようかと思ったんです」思い直したのは恩師からの「君には娯楽作という土俵がある」という一言だった。「ギリギリ自分が続けられるやり方を見つけたかもしれないと。それからは、自分が打席に立つ番が来たら……というつもりで、シミュレーションをしたり、少女漫画を読んで自分だったらこうするみたいなリストとかを作ったりして、チャンスを逃さない準備をしていました」。同じ事務所の三木孝浩監督に教えを請い、芸大院時代に師事した黒沢清監督とも交流を続け「監督のすべき仕事は何か」を学び取った。「とにかくお客さんを楽しませたい。初めて自主映画を作った時から、どうやって喜んでもらうかを考えていた。自分が血湧き肉躍る瞬間を分析して、作品に入れ込んでいく。その繰り返しで今に至っています」。「ディア・ファミリー」は「いつかやってみたかった」という実話の映画化。「ストーリーの都合で人が動くのではなく、実際に起きた出来事の中の人たちの視点で、物語を掘り下げられた」。新たな経験も糧に「いずれは世界に」と目を向ける。「外国映画のまねじゃなく、日本の良いものを追求した結果、世界に届けばいいと思う」
勝田友巳
2024.6.11
一つの新聞記事をきっかけに「ディア・ファミリー」原作「アトムの心臓」23年間の記録：原作者・清武英利インタビュー
無謀な挑戦を「どうしても書き残しておきたかった」映画「ディア・ファミリー」（毎日新聞社など製作委員会）は心臓に難病を抱え余命10年と宣告された娘と決してあきらめなかった一家の実話である。家族らと親交を重ね、この物語を「アトムの心臓『ディア・ファミリー』23年間の記録」として刊行したのはノンフィクション作家の清武英利。一つの新聞記事をきっかけに長年にわたって丹念に取材を重ねてきた。「運命にあらがう人間を書くことができた。そして、映画は人の持つ無限の可能性を正面から描いています」と語る。筒井（映画では坪井）宣政（のぶまさ）さんは、愛知県春日井市でホースなどビニール樹脂加工の小さな町工場を経営していた。次女佳美（よしみ）さんは「三尖弁（さんせんべん）閉鎖症」という先天的な病気を抱え、幼い頃に医師から「手術はできない。温存すれば10年は生きられる」と言われる。全国の病院を回ったが診断は同じ。宣政さんは「俺が作る」と人工心臓の開発に立ち上がり、妻陽子さんと勉強に励み、資金と時間をかけるものの次々と問題が立ちはだかり、研究は行き詰まる。その努力はやがて日本初の医療機器「ＩＡＢＰバルーンカテーテル」の製作につながる。次女の命の灯と引き換えに、約17万人の命が救われたのである。 23年前の一つの記事がきっかけだった 2001年、清武は読売新聞中部本社社会部長に着任すると、朝刊の第3社会面に丸々１ページの「幸せの新聞」を始めた。当時は倒産が急増し、暗く苦しい話が紙面を覆っていた。清武は「苦しみをできるだけ前向きに捉えよう。挫折しても立ち上がる人の話、その瞬間を伝えたい」と編集長としてすべての原稿に目を通した。創刊から３カ月、山下昌一という若い記者が宣政さんと佳美さんの話を書いてきた。「最後の夜、佳美の大好きなクリスマスの賛美歌を歌いながら、心電図の波が消えるまで見送った。……あの子は自分が助からなくても、救われる人がたくさんいることを喜んでいるだろう。……」。400字詰め原稿用紙３枚に満たない記事だった。自然に涙が浮かんだ。「泣かせようという原稿ではない。こんな話が世の中にあるんだと思い、心から感動した」。紙面に写る宣政さんはがっちりした体格のしぶとそうなおじさんだった。どんな人生を歩んだのか、いつかは本に残したいと考えたが、当時は多忙を極め、同時に「開発物語だけではないはずだ」という気持ちもあった。「この家族との縁の糸はつないでいこう」。それが後年役に立った。佳美さんの青春、人間像が足りない 11年11月、読売新聞グループと決別した時、自分の手の中に残っていたのは書くことだけだった。「批判することよりも、批判される側や対象になって書く方が好きだ。晴れ晴れと生きる人の姿を書こうと思った」。長年の取材の中で、いつかは書き残したいと思っていた人々を実名のノンフィクションで書き始めた。それが「しんがり山一證券最後の１２人」（講談社ノンフィクション賞）、「石つぶて警視庁二課刑事の残したもの」（大宅壮一ノンフィクション賞読者賞）などに結び付いたが、書いても書いてもなお書き足らない。無名の偉人が声もなく埋もれているのに、書く人がいない。それを文芸春秋の編集者に話すと連載が決まった。タイトルは「後列のひと」（後に「後列のひと無名人の戦後史」として出版）だった。後ろの列の目立たぬところで人や組織を支えてきた人たちの物語である。不器用でも真っすぐに生きてきた人に光を当てた。「後列のひと」を書こうと思った時、「筒井さんの事がすぐに頭に浮かんだ」。それまでも、はがきのやり取りをしたりして親交を温めていた。ただ、バルーンカテーテルにつながる開発物語だけでは足りないことは分かっていた。開発の話は宣政さんや陽子さんから何度も聞いている。足りないと思ったのは「23歳で亡くなった佳美さんの青春だ。佳美さんの人間像が分からない。彼女の青春が全く分かっていない」。はっきりとした強い口調で語った。「筒井夫妻にいろいろ聞いたがどうしてもわからない。夫妻や姉妹、親しい友人たちの心の底には、あのころの喪失感を二度と味わいたくない気持ちがあったようだ。だから口が重く触れたくない感じだった」新聞記者は人の一番過敏なところにも土足で入っていく。しかも、清武は実名主義を貫いてきた。「実名は自分や事実に正直であることの担保でもある。ところが、実名主義は時間がかかる。信用してもらうにはどうしても時間が必要だった」信用を得る時間が必要だった宣政さんが佳美さんの結婚をめぐる話を突然漏らしたのは21年。人工心臓の開発に苦闘した痕跡を求めて、東京大学や東京女子医大付属病院を一緒に回っている時だった。「立ち寄ったそば屋で、彼は思い出をかみしめるように話し始めた」「宣政さんは、佳美さんは結婚したら死ぬ、命を縮めることになると思っていた。思い出したくない話だったのかもしれない。最後にはやっと生きているような状態だったから。それは支えてきた人の正直な思いだった。その時から、これが彼女の青春だと思って神経を集中して話を聞き始めた」。筒井さんに加えて、姉妹や友人、いろいろな人に一から聞いて歩いた。そのまま書くにはいかないことも含め、佳美さんの青春が徐々に見えてきた。本格的に再取材をしてから６年。「今振り返ると、取材の中で唯一の壁のようなものだったのは佳美さんの青春、人間像であり、それを越えられるかであった。どうしても、その壁を乗り越えないでくれと言われたら、開発物語により特化した、詳細なものになったかもしれない。でもやはり、足りないピースは拾い集めなければならない、というのが正直な気持ちだった」長い間、宣政さんだけでなく、家族や周囲の人たちと接点を持っていたからこそ、なんとか応じてくれた。「１、２年では無理だった。時間をかけることは大切だ。僕はほかの取材でも、１年間ぐらいは信用してもらう準備期間だと思っている。その準備期間を終えた次の物語も僕の中にはたくさんあって、その取材をこつこつと同時に進めている」泣ける喜び、ほれぼれする人「あの子は自分が助からなくても、救われる人がたくさんいることを喜んでいるだろう」。それが宣政さんの原動力になった。高名な研究者が「無知で鈍感であるがゆえにまっすぐ」と宣政さんを言い当てた。「鈍感な開発力の持ち主が、人間の可能性に限界がないことを実証した。信念を持ってやってきたことを知ってもらいたい、という気持ちも彼にはあったでしょう」清武は多くの時間を筒井家と共にした。「宣政さんは、娘の死が自分たちにもたらしたもの、なんとかできる命は救いたいという思いでやってきた。他の記者が来ても取材に協力したと思う。私は最後の執筆のバトンを受け継いだ記者に過ぎない」と謙遜するが、信頼の上に築かれた関係であったことは疑う余地はない。「宣政さんは、ずんずんと前に進んでいく。ワンマンで、おやじらしい人というべきか」。取材にはいつまでも付き合ってくれた。インタビューは電話も含め20回近く、１回短くて２時間、長いと８時間にもなる。エネルギーの塊のような人」。奈美さん、寿美さんの姉妹らの証言も含めてすべてテープ起こしをした。相当の分量だが、長い取材ではそれが有効だったという。「筒井さんは、全部理解してもらいたいという気持ちが強くあった」。「後列のひと」の連載では、宣政さんと陽子さんに限って、夫婦で上下編にし、１回に原稿用紙20～30枚になった。「宣政さんは強引で欠点もあり、自分でも『私は善人だとは思っていませんよ』という。そうでなければ不可能をひっくり返す開発や会社経営はできない。そういうむき出しの一貫したところにひかれたんですよ」と表情をやわらげる。「彼や家族のけなげさは、実は誰の心のなかにもある。ただ、貫くことは難しい。だから表に現れるとき、心が晴れて、ほれぼれするような気持ちになる。そういった家族や人々を書くのがノンフィクションの幸せです」。社会や企業の最前列にいても、つまらない人は書かないし、やめてしまうのだ。「掘ってみて、青春が分かった。つるはしを振るって金脈にあたった。書いていて時々、泣けちゃうなって思うのも喜びでした」。自らを鉱夫作家と例えた。鉱夫記者、鉱夫ライターでもある。「毎回感じるのですが」と前置きして、こうつないだ。「これだけ時間がかかったのは、事実が待っていてくれたからです。事実は頑固なもので、鉱夫や耕夫が掘り当ててくれるのをじっと待っていると思うのです」清武は構成やコンテを何度も書き直す。時には短冊にエピソードを書いて入れ替え、何度も構成を練る。「僕が手をかけられるのは構成だけです。破綻したらまた作り直した。原稿は何とかなっても、構成がうまくいかないと続かない」。ノンフィクションでも読むときのゴツゴツ感をなくして読みやすくすることに苦心した。引っかからないように読めるよう心がけた。 ©２０２４「ディア・ファミリー」製作委員会取材メモから脚本づくりへここからは映画化の話だ。「話をいただいたのはコロナ前で、メモや資料の集積の段階。映画は水もの、本当にできるのか当てにならない時期でもあったが、ぼんやりとした希望みたいなものだと思っていた」。ＷＯＷＯＷではこれまでの作品を３本ドラマ化していたので信頼があった。「映画人は粘り強い」とも感じた。東宝も同時期に筒井さんを紹介した番組を見て動いていた。映画はお金もかかるし、時間もかかる。「何か足りない、とずっと考えていた時だったが、ここまでに書いてくださいというメドにもなった」この作品は清武の連載記事や取材メモをベースに、林民夫が脚本（最終的に21稿）を書き、本格的にスタートした。「一部にせよ、詳細なメモを見せることはめったにあることではなかった」。メモは取材の大事なところだけ残して要約していた。「取材とメモはどんどん進み、それも共有したが、私が筒井家の鈍感開発力や家族愛に加え、佳美さんの生への希求と青春を書いたのに対し、映画は困難な開発と家族愛を正面から描いた。そこが本と映画が少し異なるところだが、私は悲しみよりも希望を押し出そうという映画人の信念を感じた」それが映画制作者と筒井さんを仲介することにもつながった。映画は佳美さんが亡くなって、そのあとの希望と17万人の命を救い、今も救い続けていることを主軸に置いている。連載と取材メモから作り始めたが、「僕から注文は一切していない。別の才能だから。志が同じであれば、映画と本は違っていいと思っている」と歯切れがいい。
鈴木隆
2024.6.10
止まらぬ資本の支配と弱者の排除「不正を告発するのが映画の役割」　「バティモン５　望まれざる者」ラジ・リ監督
「レ・ミゼラブル」（2019年）がカンヌ国際映画祭審査員賞、セザール賞作品賞など絶賛されたラジ・リ監督の新作「バティモン５望まれざる者」。労働者階級の移民家族が多く住むパリ郊外の団地群を舞台に、強硬手段で一掃をもくろむ「行政」と反発する「住人」の衝突を描いた。夏季五輪目前のパリが抱える〝暗部〟は「他国のこと」とは言えないリアルな社会のゆがみを突き付けている。移民の家族が多く暮らすパリ郊外の一画、通称バティモン５。再開発のために老朽化した団地の取り壊し計画が進められていた。臨時市長となった医師のピエールは治安改善を理由に計画を一気に進めようとする。一方、移民たちのケアスタッフとして働くアビーは、住人たちの助けになろうと友人ブラズの手を借りながら問題に向き合っていた。ピエールは次々と強硬手段を打ち出し、理不尽な状況に追い込まれた住民たちとの溝はより深くなり激しい抗争へと拡大していく。悪化の一途止められない行政と住人、富裕層と貧困層の対立は、権力や暴力などと交錯し国境などあっさり超えて大きな課題になっている。移民が加わるとさらに事態は深刻だ。ラジ・リ監督はこのテーマにアプローチしたきっかけから話し始めた。「パリ郊外（バンリュー地区）は自分が生まれ育った地域。『レ・ミゼラブル』も本作も、自分が見聞きしたことをベースに描いた。ただ、プロモーションでブラジルや中国、アメリカなど世界各地を回ると全く同じようなことがどこの国にもあり、普遍的な問題だと分かった」今後についても「世界の大都市を中心に悪化の一途をたどるだろう。より大きな問題に発展する可能性もある」と悲観的だ。「金を持っている人がすべてを操作し、ビジネスの観点ばかりが膨らんでいる。貧しい人たちのための住宅政策のような法案が通るわけでもなく、金融グループなどの力が続く限り止められない」市民の抵抗が弱まっている特にヨーロッパでは、右派の躍進が顕著だ。「ファシストが台頭しているのは確か。ナチスの拡大も突然起こったわけではなく、少しずつ支配を広げ大量虐殺などを行った。今同じようなことの繰り返しが始まっているのではないかと危惧している。ガザで起きているジェノサイドのようなことがエジプトやイラン、ウクライナなどどこでも起こりうる。大きな戦争につながる危険もある。政治家には、理性に立ち返ってこうした事態を止めてもらいたい。さらに日本人は、戦争で原爆など多くのことを経験したので理解してくれると思っている」ラジ・リ監督の言葉は止まらない。「もちろん、こうした動きにあらがう市民の動きも大事だが、私の印象ではその力はだんだん弱まっていると思うし、当局（権力者たち）の流す情報などによって、平和を求める人たちがむしろテロリストと受け止められてしまう印象操作も行われているのが実情だ」苦しんでいる人に目を向けてそんな状況の中で、表現者としてのスタンスは明確だ。「映画を撮り続けるしかない。信念に従い、不正を告発していくことが私の役割だ」と話す。この映画でもそうだが、対立を分かりやすく表舞台に引きずりだすということだ。「実際にどんなことが起きているかを告発して、知ってもらいたいという思いがベースにある。例えば、ゲットーのような郊外の地区を、フランス人の多くはメディアや政治家の発言を通してしか知らない。紋切り型に垂れ流されるイメージではなく、映画を通じて住民がとても苦しんでいる姿に目を向けてもらいたい」というのだ。基本的な構図はこうだ。農村地帯から大都市へと人が流入するものの、その人たちが住む家はない。人口増加で地価が高騰し、弱い立場の人が排除される。「パリも、中流階級の人が住む場所を広げ、郊外のゲットーに住んでいた人たちがより不便なところに追いやられる」。移民に置き換えてもいい。ドキュメンタリー的な撮り方で現実味を映画はリアルなエピソードの積み重ねだ。「現実を誠実に写し取るよう考えた。フィクションでも、ドキュメンタリー的な撮り方をすることでより現実味を持たせることが可能になる」。同時にテンポよく見せることにも気を配った。キャリアの初めにアーティスト集団「クルトラジメ」で短編映画やミュージックビデオを手がけた。「短いシークエンスをテンポよいリズムでつなぎ合わせるのは得意かもしれない」と自信ものぞかせた。本作のような群像劇でも、脚本づくりから生かされた。ただ、監督としては「できるだけ一歩引いたところに身を置くこと」を心掛けたという。「レ・ミゼラブル」も同様だったが、住民の側に親近感を覚え、ある一つの立場から撮りたくなることがあったという。しかし、それではダメ。「中立公正にすることで、作品により力が与えられる」と確信している。３部作の構想「第3部は90年代」「バティモン5」では、高圧的な市長に対峙（たいじ）する移民の側も、象徴的で分かりやすく、対照的に描いた。女性のアビーは合法的なやり方で闘争を続けようとし、男性のブラズは最終的に暴力に訴えてしまう。「フランスでは、合法的解決をあきらめて暴力につながる現実もある。映画では二つを対立させて、善＝アビーが勝つ形にした」。アビーは黒人でムスリムの女性だ。「映画に登場することは極めて少ない。演じたアンタ・ディアウは新しい才能ある俳優だった」「レ・ミゼラブル」、本作とパリ郊外が包含する困難な課題を撮ってきたが、続編はあるか。「当初から、フランスにおけるこの30年を3部作で描きたいと考えていた。『レ・ミゼラブル』は最近、本作は2005年前後、第３部では1990年代を描く構想がある」と話した。
鈴木隆
2024.6.04
生田斗真のイメージをうまく利用？！「告白　コンフェッション」山下敦弘監督インタビュー
死を覚悟した親友の最後の告白を聞いてしまった男と、言ってしまった男の一夜の攻防をたっぷりと詳細に描いた「告白コンフェッション」。生田斗真、ヤン・イクチュンの日韓主演の2人がほぼ出ずっぱりの〝怪演〟を見せるワンシチュエーションの密室劇である。「カラオケ行こ！」「化け猫あんずちゃん」と新作の公開が続く山下敦弘監督は「キャストたちの魅力をどう引き出すか、そこに特化した作品」と語った。浅井とジヨンは親友で大学山岳部のＯＢ。16年前、大学の卒業登山中に行方不明となり事故死とされた同級生・西田さゆりの十七回忌の慰霊登山中に、猛吹雪で遭難してしまう。脚に大けがをしたジヨンは死を確信し、16年前に自分がさゆりを殺害したと浅井に告白する。ジヨンは長く背負ってきた苦しみから解放され安堵するが、その直後、眼前に山小屋が出現し2人は命を取り留める。山小屋の中で救助隊の到着を待つ2人の間に異様で気まずい空気が流れ始める。ヤン・イクチュンにひかれてこれまでといささかスタイルの異なる作品になった。6年前に企画の話が山下監督のもとにきた。「何年か越しで自分発信の『ハード・コア』（2018年）を終えて疲れている時だった。『マイ・バック・ページ』（11年）の後に燃え尽き症候群のようになっていた時の『苦役列車』（12年）のよう。新しいジャンルというより、次も映画が作れるという思い。もう一つ、原作の面白さに加え、プロデューサーからヤン・イクチュンさんで撮りたいという話にひかれた」ワンシチュエーションの密室劇の経験はなく「あとで苦しむことになるが、『息もできない』やほかの作品でもイクチュンさんの存在は魅力的だった」。「リンダリンダリンダ」（05年）に出演したペ・ドゥナなどを通じて、韓国の俳優のポテンシャルの高さや刺激を実感していた。イクチュンにもいつか自作に出演してほしいと思っていた。 ©2024 福本伸行・かわぐちかいじ/講談社/『告白コンフェッション』製作委員会映画作りのリスタート密室劇を見るのは以前から好きだった。「この映画のあり方自体が、サム・ライミ監督の『死霊のはらわた』みたいな、ワンアイデア、ワンシチュエーションを膨らませてデビューする新人監督の感覚」だったという。「もう一回、リスタートする感じも魅力だった。ワンシチュエーションで予算はないが熱量とアイデアだけで１本作る。そんな映画作りへのあこがれと今までやったことのない作風」に前のめりになった。韓国人と日本人は原作にはない設定だったが「それ以外は密室で、展開や仕掛けで見せていく作品。今の時代の話とかを考えるプレッシャーもなかった」という。「サム・ライミ監督やジョン・カーペンターの『遊星からの物体Ｘ』を参考にしたが、刺激はもらったものの全然違うものになった」と笑顔で話した。違うものとは何だったのか。「キャストたちをどう描くか、描けるかが僕の持ち味でもあると再認識した。自分たちなりの映画になったという気がしている。僕自身はＢ級ホラーと思っているが、人によってはサスペンスという人もいる。余白のある作品になった」と納得した表情で振り返った。生田のイメージをうまく利用？！生田とイクチュンの二人芝居が続くため、役者の動きや表情、空気感が作品を支配した。密室サスペンスものはたくさんあるし、登場人物の背景も俳優に話をしたという。「生田さんは途中から高山病で目が見えにくくなる。どの程度見えるかはその都度、細かく相談して決めていった」という。「生田斗真のイメージや印象とかを浅井というキャラクターに反映した。浅井自体が人間臭くなったし、原作とも少し異なる感じになった」生田のイメージを改めて聞いてみた。「一言でいうとさわやかで、人に対してあまり壁を作らず、おおらかな感じ。そういうイメージをうまく利用できたし、本人も楽しんで演じてくれたところもあったと思う。この作品の面白さを十分に分かってくれたし、おかしさも出してくれた」と満足げに話した。生田に相対するイクチュンはどうだったのか。「芝居への向き合い方や集中力がすごかった。こちらにも緊張感が伝わるほど迫力があった。ただ、普段は本当に柔らかくて穏やか、優しい人。映画とは全然違う。そのギャップが怖いほどだった」と頰を緩めた。生田、イクチュンの演技を「楽しみながら撮影していた」と話した。モンスターのジヨンにもおかしみ山下監督が描く人物はさまざまだが、どこか人間のおかしみを感じさせてくれる作品が多い。それは、この作品のようなスリラー調のものでも変わらない。「原作の福本伸行さんのテイストもギャグがあって笑える。映画でもおかしさを含めていい題材。例えば、ジヨンは途中からモンスターになっていくキャラクターだが、どこか切なかったり、おかしかったりするのを意図的に演じてもらった」 2人が追いかけまわすときの武器もスコップやナイフなどが中心で、それ以上過激なものは使っていない。「原作も同じ世界観だったので、あるものでどう生き延びるか、攻防を繰り返してもらった」。ピッケルとかも候補に挙がったが「強力過ぎる」と却下された半面、山小屋によくあるノートに書く時の鉛筆を使って武器にするなど細かい工夫が随所にみられる。初の本格的な密室劇を撮り終えてどう感じたか。「武器もそうだが自由度はある程度制限されている。映画としては縛りになるが、逆にいろいろなものを組み合わせ、足したり引いたりする面白さ、時々起きる奇跡も感じた。片方が韓国人ということすらも自由度を膨らませてくれた」という。誰と作るかを大切にしたいコロナ禍が明けた影響もあり、新作の公開が続く。「受け身ではあるが、自分がまいた種をたまたま拾ってくれる人がいる。僕の場合は、何を作るかもあるが、誰と作るかが一番重要なこと」というのが、目下の監督としてのスタンスのようだ。とはいえ、山下監督がどう作ってくれるか見たい、という人は列をなしているのが現状だ。「もちろん、自分から撮りたい映画もあるし。ある日突然違ったところから話をくれる人もいる。それを楽しみながら作っています」
鈴木隆
2024.5.30
「あぶ刑事」タカ＆ユージ＝舘ひろし×柴田恭兵の年代問わず通じる格好良さ　源をたどれば……
ついになのか、ようやくなのか、それとも今さらなのか。三つ目の意見はないことを願うばかりだが、とにかくタカ＆ユージが「帰ってきた」ことに感慨を覚えずにはいられない。「帰ってきたあぶない刑事（デカ）」である。始まりは「新鮮、アクション、モダン」なコンビ舘ひろし演じるダンディー鷹山こと鷹山敏樹と、柴田恭兵ふんするセクシー大下こと大下勇次。昭和、平成、令和を駆け抜けることになる伝説のコンビは、1986年の日本テレビ系の連続ドラマ「あぶない刑事」で誕生した。当時は「西部警察」が終了し、「太陽にほえろ！PART2」が始まろうとしていた頃。日本テレビの制作チーフだった岡田晋吉から新しい刑事ドラマの相談を受けたセントラル・アーツのプロデューサー・黒澤満が、「テレビでの露出が少なく、アクションができるモダンな俳優」ということで、かつて映画で起用した2人を組ませたのが全ての始まりだった。「ハードボイルド、スタイリッシュ、ファッショナブル」。舘が常々口にしているテーマを実現すべく、村川透、長谷部安春を中心とした演出陣をはじめ脚本の大川俊道、柏原寛司、撮影の仙元誠三ら映画畑のスタッフが集結。舘、柴田とも当時、30代半ばで脂が乗っていた時期。「西部警察」などで石原軍団の中核を担い、長谷部監督の作り上げるハードボイルドの世界観を踏襲する舘。一方の柴田は、恩人と呼ぶ村川監督のアドリブや現場でのアイデアを取り入れていくスタイルの申し子。この対極ともいえる2人の邂逅（かいこう）が見事にはまった。カーチェイス、銃撃戦、追跡劇と横浜の街を縦横無尽に暴れ回り、コメディー要素もたっぷり。初回から15％前後の高視聴率を保ち、当初は2クール（半年）の予定だったが、約1年に延びる人気を誇った。ドラマ「あぶない刑事」＝東映提供互いの長所引き出し魅力増幅舘は「第1話からユージはスタイリッシュ、それからアドリブ中心になっていった」と述懐し、「『あぶない刑事』は柴田恭兵の作品だと思っている。これだけ面白くしてきたのは彼」と、後に柴田を「恭サマ」と親しみを込めて呼ぶようになる。対する柴田も、1歳上の舘に敬意を表しつつ「柴田恭兵と舘ひろしが感じている格好良さは、年配の人にも小学生にも絶対に通じると思っている。ただ、それは僕1人ではできない。タカとユージのコンビの妙」と断言する。個の強さが融合し数倍、数十倍に膨れ上がったことが、これほどの支持を集めた大きな要因といえる。それまで刑事ドラマでのバディーは、互いの短所を補完し合うのが定番だった。だが、2人はその〝常識〟をあっさりと覆す。それぞれの長所を前面に押し出し、互いに引き出し合いキャラクターの魅力を増幅させていった。これに、当時は初の連続ドラマ出演で、38年たっても「トロい動物」扱いの仲村トオルの町田透の癒やし的な存在、いまやシリーズの名物とも言える「出オチ」など自由奔放な振る舞いでかき回す浅野温子の真山薫の爆発力が加わり、唯一無二のカルテットが形成される。第45、50話で22.9％の最高視聴率を記録し、残り10話ほどの段階で映画化が決まったのも当然の成り行きだった。映画「あぶない刑事」＝東映提供フレームの外はファンがぎっしり映画「あぶない刑事」の撮影時には、横浜のロケ地が聖地となりファンで埋め尽くされる事態に。ビスタサイズのフレームの外は全てファンということも多々あり、時には撮影中止を余儀なくされることもあったという。87年の正月映画として公開され興行収入26億円。翌88年の日本映画の興行ランキングで4位に入る大ヒットとなった。その勢いを駆って88年は夏に映画「またまたあぶない刑事」を公開、10月から連続ドラマ「もっとあぶない刑事」を放送と畳みかける。第6話ではシリーズ最高の視聴率26.4％をたたき出した。その後、映画とテレビスペシャルを不定期に製作し続けたが、徐々に人気に陰りが見えたのも確か。だが、その理由ははっきりしている。映画のスケールを重視したためか、ミサイルが飛び交ったりタンカーを人力で止めようとしたりと、荒唐無稽（むけい）な描写が増え、元来軸に据えるはずの骨太のストーリーが見えにくくなってしまったからだ。そこで、原点回帰を目指しシリーズ30周年を記念して10年ぶりに製作されたのが2016年の映画「さらばあぶない刑事」。その間、ファンからの復活を望む手紙が配給の東映などに絶えず届き、12年に講談社から発売されたDVDマガジンが、既に全巻発売されているにもかかわらず120万部の大ベストセラーになったことも後押しとなった。撮影前には舘の呼びかけで柴田と主要スタッフらが集まってミーティングを開き、現場でも柴田がどのようなアドリブを入れるか、それに舘がどう応えるかなど綿密な打ち合わせをしながら1シーン、1カットを積み重ねていった。最終章と銘打ったこともあるが、興収16億1000万円ときっちりV字回復。バディーものの新たなスタンダードをつくり、長い時間をかけて成長、熟成させて構築した2人の絶対領域ともいえる信頼関係の集大成といえた。「帰ってきたあぶない刑事」©️2024「帰ってきたあぶない刑事」製作委員会既視感楽しむ〝お約束の美学〟それでも、タカ＆ユージは帰ってきた。既に定年を過ぎ刑事ですらないのだが、「あぶ刑事だから関係ないぜ」とばかりにあっさりと8年の時を超えた。共に70代になっても、タカはハーレーにまたがり散弾銃をぶっ放し、ユージは「Running Shot」に合わせ華麗なステップシークエンスを披露する。美学に昇華させたともいえるお約束の数々をファンは待ち望み、既視感を楽しむように快哉（かいさい）を叫ぶ。仲村は「38年同じ役をやっているのは、アニメ以外ではゴジラと仮面ライダーと舘さんと柴田さんだけらしい。一生懸命ついてきて良かった」と最大級のリスペクト。98年「あぶない刑事フォーエヴァー THE MOVIE」では、2人のサングラスが海に沈んでいくラストシーンが話題となった。05年「まだまだあぶない刑事」には死体のDNAが2人と一致するというくだりがあった。だが2人はもちろん、横浜港署はこれまで殉職者を1人も出していない。「帰ってきたあぶない刑事」©️2024「帰ってきたあぶない刑事」製作委員会どれほどの窮地に陥っても時にスマートに、時に優雅に、ユーモアもたっぷりとちりばめて切り抜けていくのが「あぶ刑事」スタイル。見る者をハラハラさせながらも、どこか安心感を与えて楽しませるのも大きな魅力の一つといえる。浅野は昨年11月の製作発表で、「8年くらいしたら、またやっているんじゃないかな」と言い放った。せっかく「帰ってきた」のだから、そのまま横浜にいてほしい。シリーズの継続は、ファンならば誰もが望むところ。80代の「あぶ刑事」にも興味はある。ただ、もっと短いスパンで2人の活躍を見たいと願うのは欲張りすぎだろうか。
鈴木元　
2024.5.28
配給、興行関係者必読！　集客効果抜群MUBI GOの絶妙システムとは!?　ロンドン映画探訪記
イギリスの映画配給会社MUBIをご存じだろうか。北米ではA24やNeonといった独立系の配給会社が手がける作品をロンドンで鑑賞すると、かなりの割合でMUBIが配給している。動画配信サービスとしてスタートしたこの会社は、アメリカのクライテリオンのような、映画好きのためのプラットフォームだった。それが、近年著しい成長を果たし、ワールドセールス会社マッチファクトリーの買収、さらには世界主要都市にMUBIの映画館を作る予定だとも発表した（この主要都市には、東京も含まれている）。将来的には、製作、配給、興行まで一貫して行う大きなスタジオになる目標を掲げている。ロンドンではすでに配給会社として定着し、こちらの映画好きならその名を知らぬ者はいない。街中でMUBIのトートバッグを使用している人たちも頻繁に見かける。恥ずかしながら、私もその一人である。会員なら「今週の1本」無料で鑑賞私も、MUBIにはお世話になっている、なりまくっている。MUBIの動画配信サービスを利用するだけでなく、サブスクリプションに追加料金を払って「MUBI GO」に加入している。MUBI GOは、映画館と連携した映画チケットサービスだ。毎週金曜日、MUBIが選んだ「今週の1本」のタイトルが送られてくる。利用者はこの作品を、映画館にて無料で鑑賞できるのだ。上映館はリスト化されて示され、利用者は都合に合う場所と時間の映画館を選ぶことができる。しかしその1本が見られる期限は1週間のみ。翌週には違う作品に変わっている。観客としては、これほどお得で使いやすく、自由で便利なものはない。そもそもMUBIのセレクションは信頼が置ける。最近の配給作品でいえば「aftersun／アフターサン」「CLOSE／クロース」「PERFECT DAYS」「プリシラ」「わたしは最悪。」など、ハズレなし。MUBI GOはイギリス全土で使用できるようになっていて、ヨーロッパ各地にも広がりを見せている。ロンドンを離れた地方でそのアプリを開くと、土地に合わせて「今週の1本」が変わり、最寄りの映画館も丁寧に教えてくれる。しかもMUBI配給作品にとどまらず、MUBIと提携した配給会社や、配給を行っている映画館の作品を見られる可能性もある。利用料は月19ポンドほど（約3600円）。割高のようだが、ロンドンの映画館入場料の平均は10〜20ポンドなので、月に1度、サービスを利用すれば十二分にお得なのだ（MUBI単体のサブスクリプション料金は月12ポンドほど）。無料でチケットを発行して、映画館側にメリットはあるのか？そんな疑問が浮かぶが、おそらくMUBI GOを利用する観客の数に応じて、MUBI側が映画館にインセンティブを支払っているはずだ。筆者愛用のMUBIトートバッグ。オンラインでの取り扱いもあるが、購入できる地域が限られているようだ＝川原井利奈撮影有料の一般客減らさない仕組みロンドンの映画館事情も日本と変わらず、平日、特に昼間の客足はかなり厳しい。夕方以降でも、混み合っている上映に出くわす方が珍しい。そんな中、MUBI GOの利用者が映画館を訪れ、ポップコーンをついでに頼めば、映画館としてはありがたいことだろう。一方で、オンラインチケットの事前確保は不可、当日窓口のみの利用だから、人気作や週末など混雑しそうな場合には、映画館は一般客のための席を確保できる。また「来週の映画」しか知らされない故に、「再来週の映画」は予測ができない。基本的には公開初週の映画がラインアップされるが、例外も多い。たとえば「哀れなるものたち」は公開2週間後にラインアップされた。「初週に見たい」という映画ファンや、「『哀れなるものたち』はMUBI GOのラインアップに入らない」と踏んだ人たちは、しっかりお金を払って見たという訳だ。予約不可、チケット争奪戦にこんなお得な制度が知れ渡らないはずがなく、近ごろは席の争奪戦が起こる。前述の通り事前に席を取れるシステムではないので、インディペンデント作品の夕方以降の上映回は満席になることも。平日はオフィスワークとなった筆者は、鑑賞を見送ることもしばしばだ。チェーンの映画館でも全ての上映館がリストに載っているわけではなく、比較的スクリーン数が多く、キャパの大きいところが契約しているようだ。またMUBI GOを持っている友人、カップルが気軽に映画鑑賞をできるのも、フード、ドリンクの販売促進につながるはずだ。参照：https://variety.com/2022/film/global/mubi-strategy-efe-cakarel-toronto-decision-to-leave-1235369417/ 【関連記事・川原井利奈のロンドン映画事情探訪】ロンドンの映画料金には〝定価〟がない！封切りも900円から3600円まで〝紳士の国〟の映画館!? 雨漏りにもクレームなく上映中でもトイレOK 英国の監督Q＆A で目撃〝日本では遭遇し得ない光景〟にドッキリ横着？大胆？英国の映画宣伝チラシもパンフも存在せず巨大広告でアピール
川原井利奈
2024.5.27
「音楽で世界を変えた。今こそボブ・マーリーの愛を」家族とともに描いた真実の姿　レイナルド・マーカス・グリーン監督
ジャマイカが生んだ世界的スターで伝説のレゲエ・ミュージシャン、ボブ・マーリーの波乱に満ちた人生を映画化した音楽伝記映画「ボブ・マーリー ONE LOVE」。プロデューサーにはボブ・マーリーの妻リタ、息子ジギー、娘セデラが名を連ね、政情不安が激しかった当時のジャマイカで果たしたボブの役割、ミュージシャンとして世界的人気を得た過程を映画化した。監督のレイナルド・マーカス・グリーンは、ボブについての決定版と言われる評伝や伝記を読み込み、家族らからたっぷり話を聞き、その人間像に迫った。現場につききり「本物にしてくれた」 1976年12月５日、ボブ・マーリーが企画した「スマイル・ジャマイカ・コンサート」は国内で対立する二つの政党に平和を呼びかけるのが趣旨だった。しかし公演２日前の夜、リハーサル中のボブらを侵入者が襲撃。マネジャーのドン・キンジーがわき腹などに５発、ボブの妻リタも頭を撃たれる重傷を負い、ボブを狙った銃弾も肋骨（ろっこつ）をかすめた。しかし２日後、ボブはけがを押してコンサートに出演し、終了後ロンドンに逃れる。ボブはヨーロッパツアーなどを経て、世界的スターへの階段を駆け上がっていくが、母国ジャマイカの政情はさらに不安定となり内戦の危機が迫っていた。実話の映画化である。ボブにまつわるエピソードも可能な限り忠実に描いた。「ただ、スクリーン映えすることも念頭に置いた。同じ時間、同じ場所、同じ構図ではなくても、重要なことは再現した」。例えば、コンサートの前に襲撃された時、事件がキッチンで起こったこと以外に何も資料は残っていなかった。「犯人がどこから発砲したかなど分かっておらず、どこまでドラマ性を加えて描くか考えた」ボブをリアルに描くうえでは、家族がプロデューサーだったことは心強かった。どんな要求があったのだろうか。「撮影現場にジギーがいてくれたことは製作上不可欠だった。当時を知る人が毎日現場に来て、映画を本物にしてくれた」。歩き方や話し方、どれもが重要な指摘だった。「家族からは『真実を描いてほしい』と言われたが、細かい指示はほとんどなかった。ボブはお酒はたしなむが深酒はしないとか。もう一つ、彼が人生で大事にしていたスピリチュアリティー、信仰や精神性をしっかり組み込んだ。それは家族も僕も共通の認識だった」「ボブ・マーリー／ONE LOVE」© 2023 PARAMOUNT PICTURES スピリチュアルなところへ導いた妻リタボブの36年余りの生涯の中で、映画が主に描くのは「スマイル・ジャマイカ・コンサート」の前後とその後だ。人生の終盤に絞り込んだのはなぜだったのか。「彼の人生の中で最も大きな転換期で多くのことが起こる。いわば激動の時期でドラマ化しやすいと考えた。殺されかけてロンドンに逃げ、そこで彼の名を世界にとどろかす名盤『エクソダス』を作った。がんが発覚したのもこの時期。そう考えると、ここしかないと思うのは当然のことだった」ほぼ全編に彼の音楽が流れ、ドラマとしてのメリハリもある。音楽と政治的メッセージにあふれている。「ボブ自身が多面的。夫であり、父親であり、アーティストであり、忘れられがちだが、革命家でもあった。自分の音楽を通じて社会を変え、世界に変化をもたらした。その陰には妻のリタの存在があった」。グリーン監督は「自分も知らなかったことだが」として「ボブをラスタファリ主義運動に導いたのはリタで、スピリチュアルな部分を含め、ボブを描くには信仰は不可欠だった」と話した。グリーン監督は「さらに」と言って言葉をつないだ。「映画を見た人が今まで聞き流して、理解できなかった歌詞の意味やその背後のエピソード、彼に何が起きてどんな思いで曲を作り、歌っていたか、きっちり受け止めてほしい」と創作意図の一端を明かした。映画も日本食のようなものグリーン監督は、「ドリームプラン」（21年）で、女子テニスプレーヤーのビーナス＆セリーナ・ウィリアムズ姉妹を育てあげた父親の実話を描いた。自身のスタイルについて「僕は監督としては、ナチュラルでリアルに撮るタイプ。今そこで起きていることを見ているように撮りたい。いかにも取ってつけたようなカメラ位置、大げさすぎる演技は好まず、美術やライティング、デザインにもこだわった」と話す。ボブが作曲しているシーンでも「今そこで本当に作曲していると感じられるよう、リアルに、流れるように撮った」。ロベルト・ロッセリーニ監督らイタリアのネオリアリズモの映画を見て育ち特に影響を受けたという。日本公開の１週間前に来日。キャンペーンや観光を楽しみながら日本食も満喫した。「ある店で、芸術のような一皿の料理を２分で食べてしまったが、どれだけの腕と手間が詰め込まれているか考えた。映画もそういうものではないか。裏方の工夫や努力が見えなくても、観客がすべてを理解しなくても、素晴らしいものを見たと思ってくれたら最高の結果。この作品がそうであることを願いたい」とすがすがしい表情を浮かべた。争いを拒否し愛と平和を希求し続けたボブ・マーリーが、映画の公開とともにクローズアップされている。「私はボブが亡くなった年に生まれたので、実際の彼は知らない。家族のサポートで彼をスクリーンに残すことで、新しい世代に彼のレガシー、遺産を受け継ぎ伝えていく。その役目を少しでも担えたら光栄だ。今、世界は分断されて争いや戦争が絶えない。こういう時代だからこそ、シンプルだがボブの愛、平和、団結のメッセージが心に響いてほしいと願う」祈りも込めて作られたこの作品を、もしもボブが見たら何というだろうか。「彼は自分にも厳しい人だったから、最初から批判的、疑いの目で見ると思う。でも『よく頑張った、精いっぱいやったな、努力は認めよう』と納得してくれることを願ってるよ」とほほ笑んだ。
鈴木隆
2024.5.25
「つるばみ色のなぎ子たちへつづく道」片渕須直監督とコトリンゴ対談「マイマイ新子と千年の魔法」とのつながり
片渕須直監督特集上映企画「つるばみ色のなぎ子たちへつづく道第２弾『マイマイ新子と千年の魔法』」が4月26日（金）～5月2日（木）京都・出町座にて実施された。「つるばみ色のなぎ子たちへつづく道」は、現在製作中の片渕監督最新作「つるばみ色のなぎ子たち」と、これまでの片渕監督各作につながる主題や創作の原点などを探る上映企画。昨年12月開催された第1弾の企画では、片渕監督と千住明氏（作曲家）が登壇し、映画「アリーテ姫」（2001年）の製作から、製作中の「つるばみ色のなぎ子たち」での 22 年ぶりの再タッグについてまで、熱いトークが展開された。会場は満席で、来場した観客からも、大きな反響となった。 4月27日（土）、企画第2弾の限定上映作品「マイマイ新子と千年の魔法」の上映後、出町座の田中誠一さんが進行司会を務め、片渕監督、コトリンゴさん（音楽家）が登壇したアフタートークが実施された。コトリンゴさんは、「マイマイ新子と千年の魔法」で主題歌「こどものせかい」を担当し、後の「この世界の片隅に」（16年）でも音楽・主題歌を担当した。製作中の「つるばみ色のなぎ子たち」の原点となる「マイマイ新子と千年の魔法」の製作秘話から片渕監督との仕事について、熱いトークが展開された。この映画を締めくくるためにふさわしい音楽田中：本日は、「つるばみ色のなぎ子たちへつづく道第2弾」にご来場いただきありがとうございます。先ほど片渕監督の長編2作目「マイマイ新子と千年の魔法」と最新作「つるばみ色のなぎ子たち」のパイロット映像を上映させていただきました。そしてここからは、片渕監督とコトリンゴさんのゲストトークに移らせていただきます。では片渕監督からごあいさつのほど、よろしくお願いいたします。片渕：多くの方にご来場いただいて恐縮です。このイベントは、「つるばみ色のなぎ子たちへつづく道」ということで、次回作へとだんだんと近づいていくという上映企画です。出町座さん、またご来場いただいた皆さん、多くの方にご参加いただきうれしいです。本日はよろしくお願いいたします。コトリ：今日はこんな特別な場所に呼んでいただいてありがとうございます。監督さんにいろいろお話をお伺いできればと思っています。よろしくお願いいたします。田中：まずは片渕監督より、「マイマイ新子と千年の魔法」の製作の経緯について、お伺いさせてください。片渕：この作品は、マッドハウスという会社で製作しました。当時のマッドハウスのプロデューサーの丸田順悟さんが、原作の「マイマイ新子」を読まれていたんです。自分の子供の頃の様子とすごく似ていて、アニメーションでこれを表現してみたらと企画を立ち上げたいと、そこにお声がけいただきました。その頃のマッドハウスは、有名なマンガ原作の作品のほかにも、絵本などを原作にアートアニメを作ろうという意気込みも持っていました。その中の一つとして、毛色の変わったものが混ざっても面白いんじゃないかなという企画でした。本作は2009年11月公開でしたが、実はフィルム自体は、08年中にほぼできていました。そしてあと一歩のところに決定打が出るまでは置いたままにしようということになって、翌09年の夏に完成版が出来上がります。その決定打こそが、「エンディングの音楽」でした。この映画にふさわしいエンディングというのは、どういうものなのか。08年末ごろにできていたバージョンでは、アメリカの映画にあるような本編のBGMをメドレーにしてエンディングを仮につけていました。画（え）もありません。そのあとで、この映画の一番の締めくくりについていろいろと相談して、コトリンゴさんに来ていただいたことで完成したんです。そして、コトリンゴさんの歌が付くならば、エンディングにも画を付けなければいけません。それを09年の夏に作業をして、出来上がっていきました。 (C)高樹のぶ子・マガジンハウス／「マイマイ新子」製作委員会田中：劇中の最後には「Sing」が流れますが、それをエンディングということにはならなかったんですか？片渕：あの曲は、あの時点での祝祭の歌のような、主人公たちの心の中の気持ちの歌声として流しています。なので、エンディングに求めていたものとは違いました。また、本編の音楽というのも違いました。本編の音楽は、主人公・新子の心の中から湧いてきたものが、そのまま音楽になるように作っています。Minako"mooki"Obataさんにお願いをしていて、彼女一人で歌われた素材を重ねどりして、コーラスを作りました。もっと女の子っぽいのかなと思ったら、mookiさんの方でどんどん男の子になっていたりして。でもそれが心の中から現れている。新子ちゃんの中から出てきたものを、的確に表現してくださったんです。そういうものを含めて、劇中に出てきた新子や貴伊子、それから平安時代のなぎ子ちゃんたちを「子供たち」として、エンディングにまとめたかった。それをコトリンゴさんが見事に「こどものせかい」という曲で表現してくださったんです。田中：コトリンゴさんへのオファーのきっかけは、どういったものだったのでしょうか？片渕：今日この会場のあそこに座ってるのですが、この作品のプロデューサー・エイベックスの岩瀬智彦さんのご紹介です。コトリ：当時、坂本龍一さんとエイベックスさんで設立されたCOMMMONSでお仕事をさせていただいていて、そこからお話をいただきました。片渕：あのときは、本当にいろいろなアイデアが出たんですけれど、それは違う、それは違うと僕が言い続けて（笑い）。そしたら、何カ月か何も言ってこなくなっちゃって … …。しばらくしてから、「見つけましたよ！」と岩瀬さんが連絡をくださった。「監督が言ったことが全部ここにあります」とおっしゃって、コトリンゴさんのCDを聞かせていただきました。すぐにOKを出させていただきました。田中：コトリンゴさんはオファーいただいてからはどのように制作されたのですか？コトリ：このときは、さきほど監督さんがおっしゃっていた完成版がもう既にあって、それを拝見しました。そして、最後にこの映画を見終わった後にどんな音楽があったらいいのかを、時間を頂いて考えていきましたね。それがとても良かったなと思っています。片渕：実は最初に枕草子を読んでいただいたんです。（片渕監督、枕草子を取り出す）コトリンゴ：はい。お借りしました。片渕；これ（取り出した枕草子）は、コトリンゴさんにお渡ししたその時の枕草子そのもので、貼ってある付箋も当時のままのものです。本の中にちりばめられている言葉をヒントにしていただけないかなと思って、あちこちに付箋を貼ってお渡しさせていただいたんです。コトリ：併せて高樹のぶ子さんの原作も同じようにお借りしました。その二つの本からキーワードを取り出して、曲を制作していきました。大きく間違えたらNGが来るだろうというふうに思いながら書いたのですが（笑い）。割と、パッ、パッと好きなイメージが思い浮かぶもの。それから、お話も女の子たちが中心でちょっとガーリーな感じを集めた世界観を作っているので、そういったところを自分の感覚に従って選んで制作させていただきました。片渕：エンディングの映像に出てくる折り紙やおもちゃなどは、コトリンゴさんの曲に逆にインスパイアされたものです。コトリンゴさんの曲がなければ、あのエンディングの画面にはならなかった。あの歌がちゃんと子供の感覚のようなものを捉えてくださっていて、映画の締めくくりになっているんです。 (C)高樹のぶ子・マガジンハウス／「マイマイ新子」製作委員会田中：コトリンゴさんは、このエンディングの詞は、登場人物であるなぎ子ちゃんの気持ちで書かれているのですか？コトリ：いや、当時はまだ若造だったので、あまりそういったことは考えず……（笑い）。もっとそのまま受け取るというか、ぱっとストレートな感覚で作品に向き合わせていただいたように思います。そのままの子供の気持ちというか。それまでにいろいろ出来事は起こっていて、切ない気持ちにもなるんですけど、また遊ぼうねって言える。そんな素直な感覚で詞を書きました。片渕：制作時には、この歌は麦畑の底から子供が見ている曲にならなきゃいけないってことをコトリンゴさんがおっしゃってくださいました。コトリ：そうです。それで麦畑の代わりに、ゴーヤーのカーテンをベランダに作っていたので、その下から空を見上げて、麦畑に潜った感覚を再現してみました（笑い）。それと当時鳥を飼っていて、デモに鳥の声が入ってしまったことも印象に残っています（笑い）。デモテープを自宅でとっていて、歌どりの間は鳥かごをお風呂場に持っていき、少しだけ待機してもらっていたのですが、それでも鳴き声が大きくてデモに入ってしまったり。そもそもマイクの前に鳥がとまっているまま、ぱっと歌どりをした時もありました。片渕：それで、鳥の鳴き声入りのデモテープを聞かせていただいて（笑い）。でも、その鳥の鳴き声も全部含めて面白くて、子供の頃の世界みたいな感じがとてもしたんです。多くのキーワードをお渡しさせていただいて、もっと枕草子に寄った音楽になるのかなと思っていたのですが、死んじゃった子供、夏に一度しか会えない子供など、作品をベースに多くの要素を拾い上げていただきました。コトリ：どうにか着地できました（笑い）。過去作から最新作に流れる〝千年の魔法〟田中：今回の上映では、「マイマイ新子と千年の魔法」のあとに、最新作「つるばみ色のなぎ子たち」のパイロットフィルムが流れるという形で、2作品の流れみたいなものが感じられるかと思います。コトリンゴさんは、初めて連続してご覧になってみていかがでしたか？コトリ：こんなふうにつながっていくとは … …と思いました。片渕監督の作品は、本当にその時代に自分がいるような感覚になります。ちょっと昔ではありますが今の時間としての新子ちゃんと、千年前のなぎ子ちゃんの時間。どっちにもいるような感じで行き来してから、次の作品のパイロットフィルムだったので、すごく時間旅行をしたような感覚でした。まだ声が入ってない状態なので、音楽がよりさらにぐわっと体に来て、とても印象に残りました。片渕：ありがとうございます。「マイマイ新子と千年の魔法」のなぎ子ちゃんは、のちの清少納言だと考えていました。彼女が子供のころの記録はほとんどないので、清少納言がおとなになって書いたものから逆算して子供時代を作っています。また、原作に出てこないなぎ子ちゃんについては、高樹のぶ子先生にもお話しして了承を得ました。こんな性格の女の子ですとお話しさせていただいたら、先生に「新子ちゃんそのままじゃん」って言っていただけて、内容の整合性が取れるということで、ご了承いただいたんです。田中：本作は、原作の「マイマイ新子」という小説から、「マイマイ新子と千年の魔法」というタイトルになったことがこの映画として大きな意味を持つと感じます。この「千年の魔法」という要素は監督の中でどのようなものなのでしょうか？片渕：「千年の魔法」というのは、元々はマイマイ新子の小説の中にある言葉です。その部分は、原作ではあまり深掘りされていませんでした。けれど、自分がその前に監督した「アリーテ姫」で「千年ぐらいは人間の想像力は飛べる」という、まさしく「千年の魔法」の話を書かせていただいていたんです。そのとき、とても不思議な感覚に襲われました。だから、自分の想像力を千年先へ飛ばせないとダメなんじゃないかなと思ったんです。そして、子供たちが遊ぶ楽しさの感覚の中に、千年ぐらいだったら気持ちも飛べるんだというのを盛り込みたいと思いました。そこで千年前、山口県防府市にいた人を調べてみたら、清少納言が子供の頃にいたらしいとなってきて、彼女が登場することになっていきます。「アリーテ姫」に千年ぐらいは想像力を飛ばせないと駄目だよ、やってみなよと言われたような気がしたわけなんですね。そして、「マイマイ新子と千年の魔法」で清少納言に出会って、最新作につながっていくんです。 ©つるばみ色のなぎ子たち製作委員会／クロブルエ田中：その「千年の魔法」を表現するにあたって、大きな要素の一つになるのは〝土地〟ですよね。作中では、直角で曲がる川は自然にはないけれど、今は直角に曲がっているから人の営みが見えて、その千年のつながりが具体的に蓄積されていきます。片渕：直角に曲がる川というのは、原作に登場します。でも実際にその場所に行って見たら、直角ではなかった（笑い）。ところが、本当に直角に曲がっている場所が別にあって、それがなぎ子ちゃんの住んでいた周防守の館だったんです。ちょうど僕たちが防府を見に行った時に、その場所で実際に発掘調査がされていました。この場所は一体何なんだろうと考えて、どうも周防守の館らしいと分かりました。そして、千年前の周防守は誰だったのか調べたら、清少納言のお父さん・清原元輔だったんです。全部が偶然につながっていって、本当に魔法にかけられたみたいな感じでした。想像力よりも前に、偶然の方が恐ろしいぐらいだった。全部がセットアップされていくような感覚でした。コトリ：何か千年前の人たちが監督さんに、「自分たちのことを描いてくれ」って、ものすごく教えてくれている気がしてきますね。片渕：そうなんですよ。その清原元輔が防府で詠んだ歌には、女の子を連れてきていたことも分かるんです。そして、その子が長生きしますようにという意味で、千年生きますようにと願いをかけていました。もし本当に彼女が千年生きていたら、現代の僕たちのところまで生きていることになります。何かつながりを感じました。僕らが今、千年前のことを想像することはできます。けれど、千年前の人が千年後という遠い未来への意識を、言葉の上だけでも言っていたことに感銘を受けました。そこからも、自分に「千年の魔法」がかかっていくようでした。コトリ：今から千年後のことなんて、現代の私たちは考えもしないし、想像がつかないですね。なぎ子ちゃんのお友達になった千古ちゃんは、新しい映画には出るのでしょうか？片渕：さあどうでしょうか（笑い）。でも、清少納言についての他の人が書いた記述を読むと、どうも彼女は一人じゃなくて、相棒がいるみたいです。それが千古ちゃんかどうか分からないけど、そういう人とずっといて、一人ぼっちではないようです。コトリ：その人と清少納言さんはどんな関係性なんですか？片渕：貴族の子供は、生まれると乳母（めのと）というのがお母さんの代わりにお乳をあげるんです。お乳が出るということは、その人にも生まれたばかりの子供がいるということになります。その乳母の子供と彼らは一緒に育つので、相棒になっていくみたいです。乳母子（めのとご）と言われる人たちですね。コトリ：そうなんですね。でも、そういうことを知らない中で新作の映像を見ても、その時代の空気感を知れて、一緒に行ける気分になれますね。頭の中にある子供のころの原体験を引き出して生まれる世界田中：ほかにもこの「マイマイ新子と千年の魔法」では、想像力でシームレスに異なる時代がつながっていくことが、大きな魅力の一つだと思います。新子ちゃんが千年前を想像してなぎ子ちゃんが登場して、それが貴伊子ちゃんに移っていく。この発想はどのように考えたのでしょうか？片渕：実はあんまり考えてないんです。毎朝4時ぐらいに、目を覚まします。そのときに頭の中でぐるぐる回るような何かがあって、それが作品への発想になっていくんです。なぎ子への投影が貴伊子に移っていったのもそうやって思い付いたことだったと思います。思い付いたというよりは、考えに考えてわからないまま寝ると、勝手に降りてきているような感覚です。科学的に言えば、人間は寝ている間に前の日の記憶を整理して、いらないものを捨てようとするらしいんですね。記憶がパンクしちゃうから。その時に、どうも記憶の意味をあれこれ吟味してるのかな？「これとこれが意味的にくっつくから」みたいな判断が、脳内で生まれたりするみたいです。でも、ふつうは全部忘れてしまう。なので、そうした思いつきを覚えていられるようにメモするようにしています。それで、この作品ができました（笑い）。ちなみに平安時代では、メモするために枕元に置くノートのことを枕草子といったらしいです。本当は枕草子という言葉は一般名詞としてもあったものなんです。自分の中で考えて考えて考え抜いたその先に、こうすれば良かったんだって、意外なものを思い付く瞬間は、無意識の中でが多いです。そうした思い付きの意味を考え直して、自分で納得したら作品の上に付け加えています。コトリ：今お話を聞いていて、「この世界の片隅に」のときは史実や事実に基づいて製作していたイメージがあったんですけど、「マイマイ新子と千年の魔法」はもっと想像力の力を借りて製作されたような印象を受けました。片渕：「マイマイ新子と千年の魔法」の作中で、ガス冷蔵庫が出てきますよね。あれは原作に登場しないんですが、僕の家にあったんです。最近母親から聞いて分かったんですが、あの冷蔵庫は自分が真夏の生まれなんですが、赤ん坊の僕に与えるお乳が暑さで傷まないようにと買ったらしいんです。つまり、僕のための冷蔵庫だった（笑い）。生まれたときから一緒だったから、昭和30年代ぐらいだとあのガス冷蔵庫があるという記憶が僕の中に残っていて、映画に登場させているんです。この映画は、そういうその当時の子供のときの自分の感覚みたいなものがそのまま反映されてできています。祖父が映画館をやっていたので、その映画館の雰囲気みたいなものも出てきます。この作品を進めているうちに、どんどん自分が子供の頃の感覚みたいなのが呼び覚まされていって、それが脚本とかコンテなどの作品の土台になっていったんだと思います。調べないでも自分の中に持っている、昭和30年の世界だったんですね。もちろん、山口県防府市については全く知らなかったから、それはたくさん調べたりする。でも映画の主題である子供の頃の感覚的なものは、そもそも自分の中にあって捨てずにどこかに貯蔵されたものを、一生懸命引っ張り出して作っていきました。田中：マイマイ新子では、終盤に水路を泳ぐ金魚が出てきます。あの金魚は一体どこから来たのでしょうか？片渕：それも子供の頃の感覚と結びついています。実は、自分が子供のころに、川で遊んでいたら金魚が流れてきたことがあるんです。高樹のぶ子先生も子供のころ、実際にみんなで共有していた金魚が死んでしまった後に、同じように川で金魚を見つけたといっておられました。それを生まれ変わりだと感じたとおっしゃっていました。ほんとうは理由なんて全くなくて、正体がわからないけど、ただ金魚が流れてきただけなんです。それを死んでしまった金魚の生まれ変わりだと思い込む。子供の想像力の翼みたいなものが作品の一つの大切な部分になっています。この作品は、ものすごく感覚的なものとか、昔からあった記憶をどれだけ呼び覚ましたかみたいな感じで出来上がっていきました。自分を子供の頃に本当に戻した。どれだけ戻せるかみたいな勝負でした。だからその最後に、「こどものせかい」という題がついた曲をつけていただいて、本当にびっくりしたんです。金魚については、フランスで行われた子供向けの映画祭でこの作品を上映したときのQ Aでも聞かれました。小学校低学年ぐらいの男の子から、あの金魚は死んで生まれ変わったんですか、と聞かれました。そのとき僕は、YesかNoどちらで答えても正解ではないように思いました。あるいは、そのどちらかで答えちゃいけないのだとも思いました。なので、「君はどう思う？」と聞いたら、「生まれ変わったんだと思いたい」と答えてくれて。「じゃあ、きっとそうなんだ」と答えたわけなんです。子供自身がどう思うのかということが、大切なんだと思います。根底に流れる死生観と書き終えなければならなかった〝何か〟田中：「マイマイ新子と千年の魔法」には、そういった金魚にも代表される死生観が重要なモチーフとしてあるように思います。想像力が1千年を行き来して、死んだ金魚を生き返らせることもある。けれど、はっきりと人は死ぬということも描いています。この死生観のようなものは、最新作の疫病で多くの人が死ぬという描写にもつながっているように見えます。片渕：そもそも「アリーテ姫」というのを作った時から、そのつながりはあるように思います。アリーテという一人の女の子が、王様の娘なんだから王様の娘として役に立てと役割を押し付けられてしまう。その中で自分の人生って何だろうと考えて、塔の中で閉じ込められているだけの生活から逃れるために、そこから飛び出す。こんなふうに生きようと思ったら生きられるんだということを、「アリーテ姫」では描きました。そのあとに思ったのは、「人間にはそんなふうに生きられないこともある」ということでした。そんなふうに生きたいなと思っていながら、例えば突然病気になってしまったり、事故に遭ってしまったり、あるいは逆に自身が犯罪者になってしまったりすることもあります。そうした思いから作ったのが、「ブラックラグーン」です。この作品のOVA版のエンディングでは、登場人物全員が本当は生きたかった姿を描いています。「ブラックラグーン」を作りながら「マイマイ新子と千年の魔法」のストーリーを並行して作っていたので、「アリーテ姫」へのアンチテーゼみたいなものは、この作品の中に出てきていると思っていただいてもよいかもしれません。願ったように生きたいんだと思っていても、逆に死ぬこともあるし、まっとうな人生を送れないこともある。タツヨシのお父さんは警察官だったのに半ば犯罪者になってしまって、自分で死を選んでしまいます。いろいろな人が生きたいようにちゃんと生きられないことが、そこに象徴されています。だからこそなおさら、子供たちは、自分たちの願うように強く生きたいんだと思うんだろうなと。では、それが「つるばみ色のなぎ子たち」にどうつながっていくのかは、まだ内緒です（笑い）。けれど、関係ないとは言いません。パイロットフィルムにも子供の姿はたくさん出てきます。枕草子にも実は子供の姿が出てきます。コトリ：パイロットフィルムの最後に出てくる文章の意味はどんなものですか？片渕：それについては、この間、東京の国文学研究資料館というところでシンポジウムをやらせていただきました。まず、立正大学の山中悠希先生に講演していただいて、あの文章は跋文（ばつぶん）と呼ばれる、いわゆる後書きのようなものであると解説いただいたんですね。当時の文章の中には、物語などの最後にそういうものを書いていて、それに倣って枕草子にもこの文章が後書きとしてついていると。その後に僕がお話しさせていただいたんですが、その後書きについて問題提起させていただいたんです。枕草子は、一般にはツイッターのようなものだと言われたりもします。けれど、ツイッターには後書きなんて書かない。であるならば、後書きがはっきり存在する枕草子は、日々思ったことをそのまま書いて垂れ流しているツイッターのようなものではないと考えることもできるのではないかと。枕草子の内容は、毎日のことや思いついたことがたくさん並べてあって、無秩序だと思うくらいなんです。思いついたままに書き重ねられている。それに後書きがあるというのは、実は異常なことなのではないか。その文章をパイロットフィルムに登場させました。あの文章は、「書き終わらなければいけない」と言っています。枕草子には伝わり方の違いからいくつか種類がありますが、この文章はいわゆる一般的な藤原定家が鎌倉時代に書き写したとされる三巻本という種類には載ってないんです。それとは別の能因本という種類には記載があります。コトリ：その文章の意味から考えると、彼女には書き終えなければいけない〝何か〟があったということですか？片渕：そう。〝何か〟があったんです。彼女は、ずっと文章を書いて毎日のことを垂れ流す人生はここまでだなと終わらせた。コトリンゴ：それはなんでなんですか … …？片渕：それは……、今は秘密です（笑い）。映画を楽しみにして待っていていただけるとうれしいです。田中：あっという間に長い時間がたってしまいました。以上でトークイベントは終了です。貴重なお話をありがとうございました。
ひとシネマ編集部
2024.5.24
- 片渕須直
- コトリンゴ
草彅剛「脚本理解が完璧」　白石和彌監督が絶賛した「碁盤斬り」の囲碁と復讐
ヤクザ映画、ロマンポルノ、アウトローものなど多彩な作品を生み出してきた白石和彌監督の新境地となった「碁盤斬り」。名作落語「柳田格之進」をベースの人情話と思いきや、復讐（ふくしゅう）劇も加えて殺陣も見せる、正攻法の時代劇だ。江戸時代の生きざま、京都の撮影所、リアルとけれんの融合など、時代劇映画の愉楽が端々にまで感じられる一本に仕上げた。囲碁好き浪人の敵討ち柳田格之進は身に覚えのない罪をきせられたうえに妻も失い、故郷の彦根藩を追われ浪人となって娘のお絹と江戸の貧乏長屋で暮らしていた。実直な人柄で、かねてたしなむ囲碁においてもウソ偽りのない勝負を心掛けてきた。ある日、囲碁で親しくなった萬屋の亭主、源兵衛の家で対局中に大金が消えた。格之進が疑われ、絹が吉原に身を売って金を都合する。一方、旧知の藩士から冤罪（えんざい）事件の真相を知らされた格之進は、復讐を決意する。「凪待ち」（2019年）で組んだ脚本家、加藤正人からプロットとともに声をかけられた。「もともと時代劇を撮りたかったし、プロットが面白かった。人情話だけでは足りないと思った加藤さんが、復讐劇を加えた」。ぬれぎぬを着せられた浪人の復讐や、娘が吉原に身を売る話は既視感が強いのでは、と聞くと「パターンではあるが気にならなかった。初めて時代劇を撮るから、新鮮な気持ちだった。『またこれか』と思って撮る人とは、多分画（え）が違う。初めての分、ほかの時代劇と差別化できるという感覚があった」そもそも、なぜ時代劇を撮りたかったのか。「江戸時代は不条理なことがとても多く、その中で自分の生き方を貫く人たちが好き。今回やってみて改めて感じた」。敵討ちもその一つということか。「敵討ちは江戸時代には当たり前のことで、今とは大きく異なる。現代劇より純度も高く多様な感情を浮き彫りにしやすい」と題材探しの段階から考えていたという。懸念一掃俳優の力に助けられた懸念は、復讐の物語だった。「僕自身気持ちがそっちに行き過ぎがちで、人情話の良さをうまく転がせるか、（企画当初は）見えていなかった」。そして、最も気を配ったのは、単調で動きの少ない囲碁のシーンの見せ方。「あの手この手で臨場感を作り出した。撮り方に工夫を凝らし、観戦している取り巻きにどっちが優勢かなど小声で話をさせたりして、観客をドキドキさせようとした。囲碁好きにも楽しんでもらいたかった」大金が紛失する場面も気になっていた。落語では源兵衛が囲碁に熱中し過ぎたことが原因だが「映像として成立するか、（源兵衛が）バカに見えてしまわないか」と考えた。加藤さんとも相談し「（紛失の場面は）見せない方がいい」と一致したものの、スタッフからは「見せないのは誠実じゃない」という声も上がったという。だが「現場で撮ってみたら違和感はなかった」。まさにこういう時に「俳優さんに助けられる」と実感した。格之進は、旅に出てから大きく変化する。草彅は渋みと迫力を増し、殺気立つ雰囲気を醸し出した。「作品の真ん中あたりからテンションが一転する。後半は西部劇のように見えたらいいと思っていた。静から動へ、どう表現していくか。（演技の）勘がすごくいい俳優さんで、こちらからお願いしたことはほとんどなかった。脚本をしっかり読み込み、難しいところや理解できないところはないと言ってくれた」今村力の美術は日本映画の歴史美術の今村力は、白石監督のデビュー作「ロストパラダイス・イン・トーキョー」（10年）から美術監督として支えてきた。「今村さんと京都に行くのは一つの目標で、80歳までは頑張って一緒にやってくださいとお願いしてきた。ギリギリ間に合った」「日本映画が長年培ってきた映画美術の歴史みたいなもの、その一部を今村さんが見せてくれた。いや、プレゼントしてくれたと思っている」。この作品でも至るところにその経験と腕がさえる。「吉原の大門の前の橋も、実際は映像で見えるほど大きくはない」。長く見える堀も、実際はせいぜい５メートルくらい。京都の撮影所に「緋牡丹博徒お竜参上」（1970年）のセット図面が残っていて、これでやったらどうかという話になった。「80歳にしてアイデアが豊富」と全幅の信頼を置いている。「『ぼちぼち』と言っているが、もっと働いていただきたい」と言葉に最大限の敬意がこもる。もうひとつ、スタッフと白石監督のこだわりの映画作りの例を挙げたい。室内が暗く、その分ろうそくの炎が際立っているシーンがある。「スタンリー・キューブリック監督の『バリー・リンドン』（76年）にある、ろうそくを光源としたシーンのルックを参考にした。ろうそくだけで撮ったとされているが、ベースの光があったのではないか」と話し合った。本作の明かりも暗すぎるかもと懸念したが「大丈夫だった。これ以上暗いと画に力がなくなるギリギリまでテストした」。〝悪意〟を封印王道で白石監督作品の中では異色だ。理由の一つは〝悪意〟が影を潜めていること。人間の心の闇をのぞき込んできた。「ビターエンドが好きだが、脚本に〝悪意〟はなかった」と笑顔で答えた。「加藤さんは王道の作り方が好きで、そうできるのは『白石君ぐらいかな』と言ってくれた。自分が王道かどうかは分からないが、ありがたいこと」と照れながら話した。初めて挑戦した時代劇を、どうとらえているのだろうか。「もはやSF」と言う一方で、「資料はたくさん残っている」。例えば、特殊な世界である吉原はいろいろな映画に登場する。「京都（撮影所）の人からは『江戸時代を見た人はいないから、面白いと思うやり方で』と言ってもらった。時代考証の先生も言葉遣いについて『昔とは意味合いが180度違う言葉もある。明らかな現代語でなければ大丈夫』と言われた」さきほどの吉原の大門を出たところの橋。「自由にデフォルメしたことでドラマチックになった。意見はいろいろあるだろうが、表現とはそういうもの」と話した。撮影所の映画人も「とてもウエルカムだった。時代劇で必要なことは僕らがやるので、自由に進めてくださいと言ってくれた」。撮影所の協力を得て乗り切った。未開拓なのは怪獣映画かな白石監督は今年50歳になる。「残りの映画人生を考えた時、出発点になる作品」と本作を位置付けた。初めてのＧ指定（鑑賞年齢の制限なし）という。「以前はＲ15（15歳未満は鑑賞できない）ぐらいじゃないと映画じゃないと思っていたが、そういうのもなくなってきた。ファミリー映画も撮れるかも」と真顔で話し、こちらが驚いた。「時代劇もまた撮りたいし、もちろん、Ｒ18やＲ15も撮る。ヤクザもポルノも撮ったし、あとの未開の地は怪獣映画かな」。多彩なジャンルを撮りながら模索するのは「肌に合っている」と言い、「新しくチャレンジすれば、その分野では新人。今回も京都では新人監督だったはず。衝動みたいなものを持ち続けるのは、監督としてのテーマでもある」。今作で時代劇を財産にした。進化はまだまだ止まらない。
鈴木隆
2024.5.24
「ミッシング」で石原さとみを〝ぶっ壊した〟吉田恵輔監督の演出術
吉田恵輔監督の映画は、コーナーギリギリのクセ球だ。人間のイヤな面をさんざん見せられて、しかし最後には救いと希望が残る。「ミッシング」では石原さとみ演じる母親が、失踪した娘を半狂乱で探し、最後までもがき苦しみ続ける。「賭けだった」という石原の起用は「スゲーものになった」と驚くほどの大成功。会心の吉田監督に聞いた。幼い娘が失踪探し続ける母親幼い娘・美羽の失踪から3カ月。沙織里は夫の豊と共に毎日街頭に立ち、情報提供を呼びかけるビラを配り続けているが、進展はない。ローカルテレビ局の記者・砂田はその姿を取材し続け、ニュースの特番として定期的に報じていた。しかし視聴率を求めるデスクは、失踪直前まで美羽と一緒にいた沙織里の弟・圭吾への取材を命じる。一方SNSでは、美羽の失踪した日、沙織里が美羽を圭吾に預け、1人でアイドルのライブに行っていたことをさらして育児放棄と攻撃、圭吾も中傷されていた。感情的に不安定な沙織里は周囲に当たり散らし、砂田は事実と報道のはざまで揺れ動く。「空白」でやり残したこと 2021年の「空白」が毎日映画コンクール脚本賞を受賞するなど高く評価された。「ミッシング」では「『空白』で描ききれなかったことをやろうと思った」という。その一つは、「折り合いをつけられない人たち」だった。「空白」では、事故で娘を亡くした男が、事故の原因を作ったスーパーの店長を執拗（しつよう）に責め続けた揚げ句、心の平穏を取り戻すきっかけを得て終わる。「時間の経過や、人との出会いによる救いを描いたけれど、時間が解決にならないこともある。ずっと痛みや苦しみが続く人に、どうやって光を見せられるか」。行き着いたのは「自分の中から変わること」だった。沙織里はある事件のニュースを目にして行動を起こす。「怒ったり八つ当たりしたりでは、苦しみから抜けられない。人のために泣けるようになった時に、自分を救うことになるんじゃないか。なってほしいと思う」「ミッシング」©2024「missing」Film Partners 報道には正解がないもう一つは「雑に扱ってしまった」というマスコミ。中村倫也演じるテレビ記者は、事件を風化させまいとする一方で、デスクにあらがいきれず扇情的なネタも入れ込んでしまう。吉田監督はローカル局の取材を通して実情を知り「自分もやってしまうかも」と感じたそうだ。「〝マスゴミ〟と批判されるけれど、変わらないものを報道するのはしんどい。ただビラを配っている画（え）に、視聴者は興味がない」。そして、報道のジレンマについても語る。「沙織里がライブに行っていたのは事実だけれど、放送すればバッシングが来ることは分かっている。一方で、隠せばよけい炎上するし、事件の報道がなくなって忘れられるよりは、炎上しても記憶に残って美羽発見のきっかけになったほうがマシかもしれない。正解がないんです」吉田監督は沙織里も砂田も、そして周囲の人々も、正邪に色分けしない。一面的でないのだ。「人間の愚かさや醜さは目について、そちらを描いてしまいがち。断片的にしか人と接していないから、こんなヤツと思い込みたくなるけど、ずっといい人も、いつも悪い人もいないはず。脚本を書くときは、短所と長所を同じくらいにするように心がけています。人が変化する瞬間が面白い」吉田組に出たい志願した石原さとみだったが…… 映画を支えたのは石原の熱演だ。明るく優しい優等生のイメージを覆し、化粧もせず髪振り乱して娘を捜す母親を演じた。石原自ら「監督の映画に出たい」と売り込みがあったというが、当初は「オレの作品に出るイメージじゃないと思っていた」。ただ「『会いたい』と言ってきた時点で、何を求めてるかは分かった。与えられた役柄ばかりじゃなく、極端なとこに行きたいんだろうと」。それから数年後、「ミッシング」のキャスティング中に石原を思いだした。ちょうど自身も、スムーズに運びがちな撮影現場に飽き足らず「映画を作っている手触りを欲してたのかも」という時期だった。「役に合いそうな俳優では、〝自動運転〟で撮影が進んじゃいそうで。そういえば『ぶっ壊したい』と言った人がいたなと、本人にメールした」「ぜひ」と受けた石原だったが、その後出産し、自身も母親になって、役の捉え方がいっそう深くなる。「脚本を読み直して『地獄のように苦しかった。こんな本だったっけ』と思ったらしい」。沙織里は映画に登場した時点から追い詰められ、ほぼ全編で崩壊寸前の精神状態にある。「不安の塊だった」という石原と、時間をかけて準備した。「沙織里の髪の色を決めるだけで、美容室で3時間」。立ち会った。あるいは沙織里の事件前の日常をイメージするため、「こういう友だちと付き合っていた」という〝元ヤン〟ママと合コンも設定。「マジカワイイ」「体重何キロ？」と質問攻めにされたという。映画の中で美羽役の子役と接するのは回想場面だけだが、撮影前に一緒に過ごす時間を作った。なついたところで撮影に入り、「もう会えない」という思いを体感させた。「体感がなくても演じられるはずなんですよ。石原さんだって『進撃の巨人』では巨人と戦ってるんですから。でも今回は、体温を備えて演じることが新しい挑戦だったんでしょうね。その気合に応えたいという思いもあった」。石原の覚悟と奮闘を、受け止めた。売れっ子の石原が、出産直後でスケジュールに比較的余裕があったことも幸いした。「タイミングが良かったんです」。撮影中は驚きの連続だったという。石原の演技を「中に何かが眠ってると思って賭けたけど、ここまでポテンシャルがあるとは。出来上がったのを見て、スゲーものになってるなと」。〝愛〟が見たいデビュー当時はコメディーや恋愛ものも目立ったが、近年は社会の様相を作品に取り込んできた。「キャリアを重ねて視野が広がったのかな。世の中にむかつくことが増えているのかもしれない」。「ミッシング」は、「空白」でも組んだ河村光庸プロデューサーと進めていたが、河村は完成を見ることなく急逝。「河村さんのおかげで、こういうカラーの作品をやろうとする人が他にも出てきたと思う。意外な俳優さんから『出たい』と聞くことも増えた。ありがたいですね」。ただ「基本的には、〝愛〟と言っていいのか分からないけど、そういうのが見たい」。人間への希望を捨てていないのである。
勝田友巳
2024.5.23
大ヒット「ゴールデンカムイ」プロデューサーが手がける「ディア・ファミリー」奇跡的な流れが公開までつながった愛の実話を映画化
現在公開中の「ゴールデンカムイ」、「ミッシング」、６月14日公開の「ディア・ファミリー」（毎日新聞社など製作委員会）と話題作のプロデューサーを務めた大瀧亮。内容、成り立ち、スタイルなど大きく異なるが、３作とも注目度は圧倒的に高い。映画のとっかかり、企画段階から２次利用まで一つの作品に長期にわたって一緒に歩み、生みの親であり、育ての親としてかかわってきた。「大切な子供が成長する過程が楽しみ」と話す大瀧の作品へのアプローチ、所属するWOWOWの映画戦略の一端について聞いた。新たな一歩を踏み出した「ゴールデンカムイ」「ゴールデンカムイ」は野田サトルの大ヒット漫画の実写映画化。WOWOWは2021年秋に映像化権の獲得にエントリーした。コロナ禍で大手の配信業者が国内マーケットに参入して実績を押し上げ、業界が大きく変化していた時期だ。上質なドラマを作ってきたWOWOWにとって正念場となり、危機感も覆う中で「映画もドラマも作れる前提で映像化権を取りにいった」と話す。TBSテレビと共同制作した「MOZU」などはあったものの、「ゴールデンカムイ」は「はじめましてと言えるほど大きな作品へのチャレンジだった」という。映画化権は手に入れたものの、22年４月末の実写化発表（活字のみ）の際のファンの反応は「ネガティブが８割」と予想されたこととはいえ、ファンの原作愛の高さを再確認するものだった。原作へのリスペクトは絶対不可欠、として「作品に関わる全員が細部まで読み込んで準備にとりかかった」。それが奏功してビジュアルや映像など２回目の発表を行った23年８月末の解禁への反応は「正反対の８割以上がポジティブに変わった」という。実際に公開中の映画は大ヒット中だ。「脚本段階から野田先生や発行元の集英社と入念な意見のやり取りを繰り返し、リアリティーにも配慮して製作した」。アイヌのコミュニティー、史実に沿った部分、グルメなど専門家の監修を多方面にわたって導入。「漫画から実写への転換の難しい部分も克服した結果」とみている。今秋WOWOWで続編となるドラマ版の放送・配信開始予定、そして更にその先の続編映画版も構想中で準備に余念がない。 ©野田サトル／集英社 ©2024映画「ゴールデンカムイ」製作委員会吉田監督と伴走した「ミッシング」「ゴールデンカムイ」とは全く異なる進め方だったのが吉田恵輔監督の「ミッシング」だ。大瀧は、吉田監督の「空白」を見て感動した。「人は苦しみとどう折り合いをつけていくかというテーマに共感。吉田監督と仕事をしたい一心で、次の企画に関わりたいと『ミッシング』の企画を進めていた河村光庸さんがいた会社スターサンズの門をたたいた」「吉田監督に全幅の信頼を置き、基本的にやりたいことをフルに撮ってくださいというスタンス。伴走させてもらった」。河村は撮影前に急死してしまったが、後に残ったメンバーが遺志を受け継いだ。プロデューサーとして考えたのは「２時間つらいだけの作品に観客は足を運んでくれないと考えた。大事にしたのは、最後に人のやさしさに触れられること」と話した。大瀧の言葉がより力強くなる。「苦しい場面の連続だったが、最後に見える一筋の光がこんなに大きく見える。それが担保できる脚本と演出、仕上げだった」配給をワーナーにお願いし、吉田監督作品の中でも規模の大きい250館規模での公開を決めた。河村も「ぜひ」と話していたという。それにはメジャーのキャストをそろえることも不可欠だった。作品は誹謗（ひぼう）や中傷があふれる現代社会、報道機関の裏事情なども交え「時代を切り取る作品。被害者が加害者のように扱われる世の中の今を映し出した。現代的な事象を映し撮った分、10年後には『あんな時代もあったのか』と思える作品になったかもしれない」と語った。 ©2024「missing」Film Partners この物語をどうしても伝えたい「ディア・ファミリー」「奇跡的な流れが公開までつながっている」と話すのが「ディア・ファミリー」である。原作者であるノンフィクション作家の清武英利が追いかけてきた実話を同僚から引き継いだ。町工場の社長、筒井（映画では坪井）宣政さんが娘の命を救おうと人工心臓の開発に専念、亡くなってしまった娘との約束で心臓治療の医療器具IABPバルーンカテーテルを開発していく物語だ。「実話とは思えないくらいパワーを感じた」 ©2024「ディア・ファミリー」製作委員会当時、東宝も筒井さんのドキュメンタリーを見て映画化に向け動きだしており、一緒に進めることになった。清武の取材メモから林民夫に脚本を依頼。数々の余命ものを手がけ自身も2児の父親であり「絶対やりたい作品」と言った月川翔を監督に指名した。「家族が病気になり亡くなる悲しい話ではなく、そこを起点に家族が団結して新しいものを作り、それが今の時代に受け継がれ、世界中でたくさんの命を救っている。とても希望や夢のある物語」と製作への強い意欲が大瀧を支えた。物語の中間あたりで、娘が「私の命は大丈夫」という場面がある。「その先の家族の姿がすごい。多くの人に体感してもらいたい」。18年から６年かけて公開にこぎつけた。「この物語を伝えたい」という思いからだった。一方で、会社や医療、大学などこの実話に関わってきた方も多く、エンターテインメントとして見せる上でフィクションにしたところもあった。「筒井さんの過去の経験があってこそ、カテーテルの開発につながったことを目で見えるように苦心した」。大瀧は清武の取材にも同行して、筒井さんとも何度も話をしてきた。長い年月、苦楽をともにしてきたのである。「見てくれた人が一人でも多く喜び、感動してくれたら救われる作品」世に送り出す瞬間の感動プロデューサーとして「大変なことやつらいことがあってもマインドリセットして、最後は一人の観客として、（作品を）子供と思って見る。元々（藤原竜也の）マネジャーをしていたので、一番近くで俳優やコンテンツと向き合っていたいと思ってきた。彼らが世に出る瞬間のお客さんのリアクションを見て感動させてもらってきた」。大瀧の話の端々に、作品製作の先導者として粘り強く前向きに進んでいく姿が見える。「ディア・ファミリー」の主人公、筒井さんに通じる部分を感じる。「シンパシーは感じます」。立場上、どうしても調整ごとは多くつきまとう。「大変なこともあるが、自分が投げだしたら、それで全部終わってしまいますから」と前を向く。もう一つ大切なこととして、今の映画作りの主流ともいえる製作委員会方式を挙げた。「皆さんにお願いし、助けられたこともたくさんある」と好意的にメリットを受け入れてきた。ビジネスチャンスの発掘と挑戦大瀧の考えには当然ながらWOWOWのスタンスや方針が見える。「サブスクビジネスの選択肢がたくさんある中で加入者の満足度を担保していくとともに、プロデューサーが結集して生み出すコンテンツをWOWOWの外でも見てもらうこと。既加入者にはもう一度、そして加入していない人は初めて楽しんでもらい、収益がたつことも推進していく」。音楽の分野ではすでに、ライブ番組の画と音を再編集し、映画館で見てもらうためのラグジュアリーな展開を始めている。映画の世界でも、配給機能を学び劇場営業やブッキング、宣伝業務ができるよう研さんを重ねている。ビジネスチャンスを太い幹にしていくための人的リソースを強化してきた。もう一つ大事なことを指摘した。「映画業界は企画、営業、配給、宣伝、２次利用と分業体制になっているが、WOWOWにいることでその全部をやっていく。18年くらいから分業という概念は取り払ってやってきた。営業の大変さ、配給や宣伝の難しさも身に沁みて分かった」というのだ。収支で見ても、配給会社にとっては多くの作品の中の１本だが「WOWOWにとっては一球入魂」の１本。この思いを最後まで発信しないといけない」と話す。さらに、「ゴールデンカムイ」に関わったことで、「今まで経験したことのない枝葉に分かれたビジネスチャンス、『ゴールデンカムイ』があるからこそ劇場公開だけでなく商品化できるもの、付帯で見えてくるビジネスがたくさんあった。例えば、音楽チャンネルがあるからできたことだが、主題歌を担当してもらったACIDMAN（アシッドマン）のオリジナルライブをWOWOWで蘇生してライブ興行、放送もする。劇場公開の宣伝にもつながる。多層的な取り組みになっていった」と語った。
鈴木隆
2024.5.22
「出演に誇り」　わかり合えず、爆発寸前の社会に一石投じる「ありふれた教室」レオニー・ベネシュ
「ありふれた教室」は、センセーショナルなサスペンスでありスリラーの一面も包含した社会派作品として、アカデミー賞国際長編映画賞にノミネートされるなど高い評価を受けた。主役の女性教師カーラを演じたのは、レオニー・ベネシュ。ミヒャエル・ハネケ監督の「白いリボン」（2009年）に出演しブレーク、圧倒的な心理表現で作品をけん引した。「この数年で最高のプロジェクト」という本作について聞いた。カーラは仕事熱心で責任感が強く、新たに赴任した中学校で同僚や生徒の信頼を獲得しつつあった。ある日、校内で相次いでいた盗難事件でカーラの教え子が疑われる。不寛容方式を掲げる校長らの強引な調査に反発したカーラは、犯人を特定しようと財布を入れたままの上着を職員室の椅子にかけ、席を離れてノートパソコンのカメラで盗みを撮影しようとする。お金は抜き取られ、顔は分からなかったが、映っていた星の模様のブラウスから事務員のクーンを疑う。クーンは全面否定して激高。盗みと盗撮はクーンの息子を巻き込む大事件に広がっていく。「観察眼が鋭く知的」脚本と監督に全幅の信頼「脚本を読んでまず、セリフにひかれた。言葉の使い方がすばらしく、展開も早い」と一気に前のめりになった。イルケル・チャタク監督とヨハネス・ドゥンカーとの共同脚本。「実際に起こったことだと思えるほどリアル。観察眼が鋭く知的な脚本」と絶賛した。チャタク監督にも興味があり「ぜひ参加したい」と思ったそうだ。カーラの心理はめまぐるしく変わるし、感情を抑制するシーンも多い。どう演じようと考えたか聞いてみると、間髪入れずに明快な言葉が返ってきた。「疑問に思うことは全くなかった。脚本に全部書かれていた。彼女がプライベートでどんな生活をしているかとかは、観客以上に知らなくていい」と歯切れがいい。「イルケルは何を目指しているかはっきりしていて、人を見る力にたけていた」具体的にどんなことを指すのか聞いてみた。「カーラはいい先生だ。チャレンジングな仕事を把握し愛していて、楽しんでいる。そして、いつも正しいことをしたい、生徒のいいお手本になりたいと思っている。この二つをまず考えたが、自分で何か作り出す必要はなかった。カーラが（状況の悪化で）崩れかかる時は、声も姿勢もどんどん変わっていくが、それも脚本にあったことをかみ砕いて演じただけ。頭に入れてセリフを言えばいい状態だった」「ありふれた教室」©ifProductions_JudithKaufmann© if… roductionsZDFarte MMXXII 安易な答えは出さないオーディションを受けた時、チャタク監督に「私にとって、盗みか監視か、話の中心となるポイントが明確ではない」と聞いてみたという。そこでチャタク監督と話し合ったのは「うまく完成すればディベート社会に一石を投じるのではないか」ということだった。その中身はこういうことだ。「今の社会は、みんなが相手につかみかかるくらいのディベートをする。本来は、お互いに譲り合い、分かりあうために議論をすべきだがそうはなっていない。今にも爆発しそうになっている」 SNSの普及との関連を尋ねると「言い合いがエスカレートして歯止めが利かなくなっている」と話した。そのうえで「この作品で解決方法は示されないし、安易な答えは出していない。解釈は一人一人考えてほしい。文化が異なる国でも、共感できる部分はきっとある」。映画の中で、盗みをしたのは誰か、クーンやオスカーがどうなるかは明示されない。「よくできたエンディング。誰が犯人かなんて重要なことでしょうか」と問いを投げかけた。「誰が携わっているか」にこだわりたい出演したこと、作品自体を誇りに思っているという。「全員がお金のためではなく、妥協せずに作りたいものを作ろうという姿勢で臨めたからだ。小さな作品で、成功するかもわからなかったが、信念に基づいて作ることの重要性を深く感じた。素晴らしい人たちと仕事をすることで、自分も成長すると実感できた」実はこの作品の前にテレビの大作ドラマに長い期間、出演していた。「スタッフらが250人もいる現場で、求められた演技をするものだった」。しかし「ありふれた教室」では「自分たちでクリエーティブな何かを生み出さなければいけない部分があって、その意味でルーツに戻った感じがした」。演劇学校に通っていた時の感覚で「空間の中でどのように体を使っていくか、いろいろ試みた現場だった」と納得した表情を浮かべた。本作でドイツ映画賞主演女優賞などを受賞した。今、大切に考えているのは「誰がその映画に携わっているか、彼らは面白い人たちか、何を作りたいのか、それは世の中にとって面白いと思ってもらえることか」だと言葉に力を込めた。「誰が携わっているかは、もしかしたらプロットより大事とも思う」。そこで、一緒に作りたい監督を聞いてみたら、即座に「落下の解剖学」の「ジュスティーヌ・トリエ」の名前が返ってきた。【関連記事】「ありふれた教室」若手教師はなぜ孤立したのか教育学部生が考えた解決策シネマの週末「ありふれた週末」どこで間違ったのか
鈴木隆
2024.5.22
高校生がでコロナ禍真っただ中に起立性調節障害の実話を映画化！「今日も明日も負け犬。」の原作本が涙の発売
空前絶後の発想をマジで受け入れた16歳の私本日私の作家デビュー作となる、「今日も明日も負け犬。」が幻冬舎より発売された。「今のうちに本作っとけば、いつでも映画作れるっしょ」。当時クラスメートだった西山夏実は、私にそう言った。彼女の空前絶後の発想をマジで受け入れた16歳の私は、そこからいろいろな道をたどった結果、20歳の今作家デビューをしようとしている。正直よくわからない。だって私って、本を書くような人間じゃない。小さい時から本を読みあさっていたとか、文章を書くのが好きだったとか、アーティスト家系に生まれたとかそんな境遇にもない。20歳でデビュー作出版？小学生の頃、登校中にぬかるんだ地面で毎日足を滑らせ、ランドセルごと泥まみれになって、「遅刻しちゃう〜」と泣きべそかいていた私が、もし何かの時空のゆがみで20歳の私の状況を知ってしまったら、「ありえんし！」と言ってまたワンワン泣きだすだろう。発売日になっても、実は脳内から「？」がダダ漏れなので、今回出版に至った経緯を最初から振り返っていこうと思う。全部ウソのようでホントの話。彼女が言った「自分の人生を映画にしたい」高校1年生の秋、教室で紙切れに書いていた詩ともいえない言葉が西山に見つかり、彼女がそれを読み感動したことがきっかけで、私は西山から温泉に誘われる。その時に西山の口からこぼれたのは、彼女の中学時代の闘病生活についてだった。当時は、なんとなくその場の流れでそんな話になったと思っていたが、西山は私を意図して温泉に誘ったのだと4年たった今気づく。西山は高校で出会った私に向かって、中学時代のことを一から全部話した。中学で「起立性調節障害」という病気になったのがきっかけで保健室登校していたこと。保健室登校中支えてくれた人物がいたこと。勉強もままならなかったけど夢を諦めたくなくて偏差値72の高校に受かるために死ぬ気で勉強したこと。当時の自分を支えてくれた人に恩返しをするために自分の人生を映画にしたいということ。小田に映画の元となる原作本を書いてほしいということ。なぜか書ける気がした当時私は、部活をやめたばかりで毎日をただただ浪費していた。友達も少なく、学校生活がとにかく退屈だった私にとっての唯一の話し相手は紙だった。誰にも言えないようなことも紙に書けばスッキリした。書くのに飽きると本を読んだ。本から得た情報がたまるとまた紙に吐き出した。そんな学生生活を送っていたからか、西山に「本書いてよ」と言われた時、二つ返事で「いいよ」と答えていた。本を書いたことはなかったが、なぜか書ける気がした。何も書いたことはなかったけれど、書いてみたいと思った。とは言っても西山と交わしたのは口約束程度。映画製作と同様、いわゆるいつかやれたらいいね、レベルの話だった。けれど、わたしたちの計画を見計らっていたかのように2020年3月、新型コロナウイルスの流行がやってきた。突如現れた国民の閉鎖的バカンス。学校から３カ月の休校期間が下った。私は３カ月の休校期間を全て西山の生い立ちから現在に至るまでの聞き取り、取材、執筆に充てた。聞き取り、取材に関しては100時間以上にも及んだ。「小田、この本売ろう」書き始めた当初、私は紙と鉛筆で原稿を手書きしていたが、ある日西山に原稿を渡した時に「手書きなん？」と言われて初めてWordの存在を知った。書くということが物理的に紙に書くということだと思っていた。かと言って私はブラインドタッチも全くできなかったので、Wordを学びつつもそのまま手書きの原稿を西山がパソコンに打ち直す作業を繰り返した。こうして休校期間3カ月で原稿用紙300枚、文字数にして約10万文字の小説が出来上がった。原稿を2人で眺めながら「小田、この本売ろう」という西山の言葉が放たれた。私も賛同し、100冊製本し、ネットで自費出版を行った。自費出版された「今日も明日も負け犬。」友達が5人もいなかったはずの私が書いた本100冊は24時間もたたないうちに完売した。一気に友達100人できた気分になってその100人と一緒に富士山の上でおにぎりを食べたいと思った。100人の中には、聞いたこともない遠くの町に住む学生や西山と同じ病気を抱える子どもの保護者の方がいた。続々と届く感想の中に「もっと起立性調節障害を広めてほしい」という声が多くあり、作品に対しての使命感がその時、腹の底から噴き出した気分になっていた。それは西山も同じだったようだ。受け取った感想を眺める日々の中で、西山が私に「本、書いてよ」とお願いしてきた原点のようなものに立ち戻っていたのだと思う。いつかじゃなくて今「いつかこの本を映画化したい」という目標である。いつかといっても何年後の話になるのだろうか。そんな漠然とした考えに彼女は我慢できなくなったのだろう。「いつかじゃなくて今」企画書を手にした彼女の言葉から、私たちは高校生のうちに映画を作ることになった。本の自費出版から2カ月後に、高校生の映画コンクール「eiga world cup 2021」で日本一をとることを目標にして「今日も明日も負け犬。」映画化プロジェクトがスタート。監督は実際に起立性調節障害と闘う西山自身が務め、脚本を小田が務めた。「西山夏実」役は親友である古庄菜々夏が、「蒔田ひかる」役は本人役としてひかる自らが演じた。他にもSNSの呼びかけでスタッフが集まり、高校生の映画製作チームが完成した。コロナ禍真っただ中に集まった高校生スタッフの中には、西山と同じようにハンディキャップを抱える高校生もいた。そんな不完全な状態でスタートした「負け犬。」チーム。うまくいかない撮影も当たり前のようにあったが、遠回りしながらも。 1年かかって映画「今日も明日も負け犬。」がついに完成した。完成後、映画を届けるために、クラウドファンディングで資金を集めて福岡の劇場で公開、18歳の冬に目標だった「eiga world cup 2021」で最優秀作品賞を受賞することができた。けれど、負け犬。チームは「負け犬。チーム」のままだった。起立性調節障害という病気を知ってほしい高校生映画日本一という称号を得てからの「今日も明日も負け犬。」は、国内外でその存在を広めていった。映画を見た人々からの、起立性調節障害という病気をもっとたくさんの人に知ってほしいという思いを受け、上映依頼に対応し、講演の依頼があった時には全国どこにでも駆けつけた。全米学生映画祭への出場が決まると、米ニューヨークに飛んで、現地の学生からの感想や国際部門にノミネートされた瞬間を目に焼き付けた。そんなせわしない毎日を送り続けて1年がたった頃には「今日も明日も負け犬。」という作品には数えきれないくらいの応援者がついていた。私たちが届けなくても毎日誰かの手で誰かに届く作品に育っていた。作品の独り立ちの時期だと考えた私たちは、映画「今日も明日も負け犬。」の活動を初の劇場公開からちょうど2年がたつ2023年7月4日に終了し、DVD/Blu-rayという形に残すことで、作品を巣立たせた。米国の地を踏む「チーム負け犬。」自分の将来への焦りけれど作品が成長しているのを見守りながらそれをうれしく思うとともに、今度は小田実里個人としてのこれからの方向性についての焦りが芽生えた。作品が知られる度に、私は「脚本家の小田さん」「小説家の小田さん」とも呼ばれるようになり、あたかもこれから物書きとして生き、死んでいく人間になるように見られた私は本当にそうなりたいのかということを考え始めた。気づけば私はもう19歳の大人になっていた。共に映画を作った仲間のほとんどは立派な大学生活を送っていて、私は映画を届ける活動にのめり込んでいたことに気づいた。大学も辞めてしまった。私はキャリアを考えることをいつからサボったのだろうか。映画の活動をすることで、私は自分の将来と向き合うことから逃げていたのかもしれない。そんなモラトリアムから抜け出したくて、友達、信頼できる大人たちに相談したけれど、焦点の合わない、当たり障りのない会話しかできず、現在地から右にも左にも動けない自分がおっくうだった。スマホに届いた1件の通知 20歳の誕生日を迎えても焦りだらけで、今いる場所から逃げたい。そう思った時には、東京の幼なじみの友達の家に居候していた。9月の下旬頃、昼過ぎまで友達の家でどっぷりと寝ていた私はひどい悪夢を見た。親の前で大量に血を吐く夢だった。ギョッとして目を覚ました時、スマホには通知が1件来ていた。地元の放送局でずっと密着をしてくださっていたディレクターさんからだった。出版社から「今日も明日も負け犬。」の原作本の出版をしたいというメールが送られてきていると思うので確認してほしい、という内容だった。慌ててメールを探したが、そんなメールは受信ボックスになかった。高ぶった気持ちと、何かの間違いだったんだという切ない気持ちが複雑に入りまじるなか、一応見とくか、ぐらいの気持ちで迷惑メールのフォルダーを開いた。感情の大きい波にのまれずに、早く夢の中に戻りたかった。それでも恐る恐る開いた迷惑フォルダーのたくさんのメールの中から「幻冬舎」という単語を見つけた瞬間、自分の中の止まっていたなにかがゆっくりと動き出したのがわかった。歯車の歯がうまくかみ合わさったような。夢とは反対方向に時間が進み始めた。社長の目に留まった原作本出版の話がきてから、私はすぐに福岡に戻った。東京からわざわざ担当の編集者さんが福岡にきてくださり、正式に出版の話をいただいた。「幻冬舎」という単語は東京の大きな出版社の名前だった。とんとん拍子で出版のスケジュールの調整も進められた。編集者さんによれば、映画「今日も明日も負け犬。」の密着ドキュメンタリーが幻冬舎の見城徹社長の目に留まったことがきっかけで、今回出版を依頼するに至ったと知らされた。 2カ月後には、見城社長の元にごあいさつをするため上京し、その時社長から私の本についての感想、映画についての感想を直接言葉でいただいた。書いてから4年もたつと、感想を感想として、純粋に受け取れるようになるのだということにその時気づいた。本を書いた当時は、登場人物に感情が乗り移っていたせいで本の感想を受け取っても自分ではない自分に向けられているように感じていたから。私に向けられている言葉を今私が受け取っているということがうれしくて、見城さんを前にして涙があふれた。見城さんも泣いていた。 2024（令和6）年5月22日に「今日も明日も負け犬。」は出版され、私は作家になった。左から西山夏実、見城徹社長、小田実里、古庄菜々夏登場する人物、一人一人に人生がある最初は100冊しか届けられなかった「今日も明日も負け犬。」が、今何千という人の元に届けられようとしている。映画では伝えたくても伝えられなかった部分があり、本が読みたいという唯一応えられなかった声に、今正面から応えようとしている。本に記したフィクションを交えたノンフィクションの物語に登場する人物、一人一人に人生がある。全員が今日もどこかで息をしている。この本を手に取った全ての方の心に、少しでも何か揺れ動くものがあれば、原作者冥利に尽きる。関わってくださった全ての方に感謝を込めて。
小田実里
2024.5.21